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McDonald's blâmé pour avoir demandé à un groupe indépendant de jouer gratuitement à SXSW

McDonald's blâmé pour avoir demandé à un groupe indépendant de jouer gratuitement à SXSW

Les fans de musique se sont levés après que le duo indépendant Ex Cops a déclaré aux fans que la semaine dernière, McDonald's leur avait demandé de se produire au festival South By Southwest à Austin, au Texas, et voulait les dédommager uniquement avec de la nourriture.

Amalie Braun et Brian Harding du duo basé à Brooklyn ne sont peut-être pas des noms familiers, mais ils ont été signés avec un petit label et ont suffisamment de succès pour gagner leur vie en se produisant, rapporte Interne du milieu des affaires.

Après avoir reçu l'offre de la chaîne de hamburgers, un Harding s'est adressé à Facebook pour exprimer pourquoi il était si contrarié. Comme argument de vente pour accepter le concert, Harding a expliqué que McDonald's a déclaré que la performance était "une excellente opportunité pour une exposition supplémentaire" et que la chaîne "aura son équipe numérique mondiale sur place pour rencontrer les groupes, aider à la promotion croisée, etc."

Harding a déclaré qu'il doutait de ce que ce jargon obscur signifiait réellement - et a suggéré que la chaîne en a probablement peu d'idée non plus.

« Au-delà de cette rhétorique, à tout le moins, une grande entreprise comme McDonald's peut au moins payer un peu son talent. N'est-ce pas ?... C'est une réalité horrible et grossière quand on voit la vraie nature des entreprises et leurs tentatives pathétiques pour atteindre la pertinence avec les millennials », a écrit Harding.

Le message original de Harding a reçu plus de 10 000 likes et plus de 700 commentaires depuis sa publication. La plupart des fans font écho aux sentiments du musicien et appellent la chaîne de hamburgers pour être "ridicule" et "bon marché".

McDonald's, qui vaut actuellement environ 97 milliards de dollars, a répondu à Harding, pour défendre son offre initiale.

« Nous suivons le même protocole standard que les autres marques et sponsors en invitant des musiciens talentueux et émergents à nous rejoindre au SXSW Festival. Nous sommes impatients de servir la nourriture, les boissons et le plaisir de McDonald's à Austin. #slownews"

Mais Bruun a déclaré à Rolling Stone que le fait qu'ils n'offraient pas de paiement pour la performance n'était tout simplement "pas vrai".

"Ils ne suivent aucune directive parce que tout le monde offre de l'argent", a déclaré Bruun au magazine musical. "Ils devront en discuter avec South by Southwest s'ils pensent qu'ils suivent les directives … D'autres sociétés beaucoup plus petites nous offrent de l'argent."

Les Ex Cops ont plusieurs représentations programmées à Austin, dont une parrainée par de plus petites sociétés comme Pandora, qui paie le groupe pour son temps.

McDonald's essaie peut-être d'atteindre plus de jeunes en renforçant leur présence au festival de musique, de technologie et de culture populaire, mais jusqu'à présent, il semble s'aliéner de nombreuses personnes dans la sphère des médias sociaux après que la nouvelle de leur offre gratuite aux ex-flics a été rendue publique.

En décembre, le Chief Digital Officer de McDonald's a publié une déclaration annonçant le prochain parrainage de la chaîne à SXSW. Il a déclaré que l'objectif était « d'améliorer l'expérience SXSW pour tout le monde » avec de nouvelles fonctionnalités dans leur salon McDonald's.

Cet article a été initialement publié par Fox News.

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Angry Birds

Angry Birds est une franchise média finlandaise basée sur l'action créée par la société finlandaise Rovio Entertainment. La série se concentre sur les oiseaux en colère qui tentent de sauver leurs œufs des cochons de couleur verte, leurs ennemis. Inspiré du jeu Écraser le château, [1] le jeu a été loué pour sa combinaison réussie de gameplay amusant, de style comique et de prix bas. Sa popularité a conduit à de nombreuses versions dérivées de Angry Birds créé pour PC et consoles de jeux vidéo, un marché de marchandises mettant en scène ses personnages, Oiseaux en colère, une série d'animation télévisée et deux films Le film Angry Birds et sa suite Le film Angry Birds 2. En janvier 2014, il y avait eu plus de 2 milliards de téléchargements sur toutes les plateformes, y compris les éditions régulières et spéciales. [2] [3]

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  • Angry Birds Star Wars (2012) *†
  • Angry Birds Star Wars II (2013) *†
  • Les oiseaux en colère vont ! (2013)
  • L'épopée des oiseaux en colère (2014) †
  • Transformateurs Angry Birds (2014) *
  • Combat d'oiseaux en colère ! (2015) †
  • Oiseaux en colère 2 (2015)
  • Action des oiseaux en colère ! (2016) †
  • Explosion d'oiseaux en colère (2016)
  • Évolution des oiseaux en colère (2017)
  • Match d'oiseaux en colère (2017)
  • Angry Birds Blast Island (2018)
  • Explosion de rêve d'Angry Birds (2019)
  • Angry Birds VR : L'île aux Cochons (2019)
  • Mauvais cochons (2012)
  • Angry Birds Stella (2014) †
  • Angry Birds POP! (2014)
  • Angry Birds Champions (2018) †
  • Explosion POP Angry Birds (2019)
  • Angry Birds Explorer (2019)
  • "Angry Birds Rio air de samba"
  • "Angry Birds espace Thème (feat. Slash)"
  • "Mauvais cochons Musique d'Halloween (feat. Major Lazer)"
  • "Chanson thème Angry Birds"
  • "Angry Birds Thème (ClubBangerZ Angry Mix)"
  • Vuokatti (Finlande)
  • Holiday Club (Finlande, Espagne)
  • Ville de Haining (Chine)
  • Parc d'activités (Malaisie)

En juillet 2015, les jeux de la série avaient été téléchargés plus de 3 milliards de fois collectivement, [4] ce qui en fait la série de jeux freemium la plus téléchargée de tous les temps. L'original Angry Birds a été appelé « L'un des jeux les plus populaires du moment », [5] « L'un des grands succès d'emballement de 2010 », [6] et « Le plus grand succès d'applications mobiles que le monde ait connu jusqu'à présent ». [7] La ​​première suite de jeu vidéo de la série principale, Oiseaux en colère 2, est sorti le 30 juillet 2015.

Le premier jeu de la série est initialement sorti le 31 décembre 2009 pour iOS. [8] À l'époque, l'épidémie de grippe porcine faisait l'actualité, alors le personnel a décidé d'utiliser les porcs comme ennemis des oiseaux en colère. [9] La société a publié des ports du jeu vers d'autres systèmes d'exploitation pour smartphones à écran tactile, y compris Android. Début 2019, tout ce qui reste Angry Birds jeux sortis avant octobre 2014 (à l'exception de Amis) ont été abandonnés et supprimés des magasins d'applications, bien que Mauvais cochons a été ajouté au début de 2020. Rovio a refusé d'expliquer son raisonnement derrière la décision à l'exception d'un bref tweet et d'une réponse de soutien, donnant tous deux des réponses différentes. [dix]


Comment décrocher un concert de festival de musique

De Bonaroo à High Sierra en passant par le Warped Tour, il semble que de plus en plus de festivals de musique voient le jour dans le monde entier. Mais pour les artistes émergents, décrocher une place dans un festival, même en tant que groupe d'ouverture, peut sembler hors de portée - un objectif pour "plus tard" dans votre carrière.

Pour découvrir à quel point il est possible d'essayer de décrocher une place sur la scène d'un festival, nous avons discuté avec un recruteur de talents du festival Noise Pop de San Francisco, âgé de 18 ans, ainsi qu'avec un groupe de SF local, Geoographer, qui a obtenu sa première grande pause à Noise Pop de l'année dernière. Le géographe a utilisé cela pour accroître sa visibilité, aider à décrocher une tournée nationale avec un numéro établi et continuer à développer son audience. Ils sont également revenus au Noise Pop de cette année, mais en tant que tête d'affiche au lieu d'un acte de soutien.

Noise Pop est un festival de musique très respecté (et très fréquenté), qui se concentre exclusivement sur tout ce qui concerne l'indie : musique, art et culture. Noise Pop a lieu chaque février à San Francisco, avec des fans venant du monde entier pour y assister, attirés par son mélange éclectique de musique et de culture, sans parler des lieux intimes autour de San Francisco qui accueillent les spectacles de la semaine.

Des groupes bien connus tels que The Shins, Modest Mouse, The White Stripes et Death Cab for Cutie, ont obtenu des boosts en début de carrière chez Noise Pop au cours des années précédentes. La programmation de février 2011 a perpétué la tradition du tout-indie avec des performances phares de Best Coast, Yo La Tengo, Ted Leo et un set solo de Ben Gibbard de Death Cab.

Le point de vue du recruteur de talents
Le talent booker Dan Strachota fait partie de l'équipe responsable de la réservation des artistes émergents à Noise Pop. Pour attirer l'attention des programmateurs de festivals, Dan dit que la clé est de vous démarquer du reste des groupes indépendants de votre région. "Essayez de vous démarquer d'une manière ou d'une autre, que ce soit par votre style de performance, par l'utilisation de costumes, votre style musical, en jouant des spectacles gratuits ou même par votre style marketing."

À titre d'exemple, Dan a mentionné Chow Nasty, un groupe de San Francisco qui « volait comme un fou à chaque fois qu'ils avaient un spectacle à venir. Ils ont combiné leur nom unique avec une police distinctive et après six mois à voir leurs dépliants partout, je me suis dit : " OK, c'est quoi ce groupe – qui sont-ils ?" Ils avaient suscité suffisamment d'intérêt par la répétition pour que je veuille les vérifier. . "

Pour tout groupe local en devenir, décrocher une place en tête d'affiche dans un festival peut être assez impossible, donc le meilleur des cas est d'obtenir un concert de soutien pour un groupe plus établi. Lorsqu'il cherche des ouvreurs possibles, Dan dit qu'il «préfère les groupes qui apportent un élément amusant à leur musique. C'est bien d'avoir des groupes énergiques qui apporteront une ambiance de fête au spectacle de ce soir-là.

Lorsqu'on lui a demandé s'il y avait un conseil qu'il offrirait à un artiste essayant de décrocher un concert au festival, Dan a déclaré qu'il n'y avait pas de solution miracle pour atteindre cet objectif. Au lieu de cela, les groupes doivent simplement faire le travail acharné requis – avoir une présence sur le Web, jouer de nombreux spectacles et travailler sans relâche chaque jour pour se constituer un public. "L'une des choses les plus importantes que je recherche, c'est que le groupe travaille dur, qu'il fasse la promotion de ses propres concerts et qu'il essaie d'attirer plus de gens à chaque fois qu'il ne se contente pas de rester assis et d'espérer. Je veux voir des groupes qui sont activement impliqués et investis dans leur carrière musicale.

Conseils d'un groupe de festival (maintenant) vétéran
Le trio Geographe basé à San Francisco incarne bon nombre des attributs que Dan décrit. Le trio indie pop aux influences électro est composé du chanteur/instrumentiste Mike Deni, du violoncelliste Nathan Blaz et du batteur Brian Ostreicher. Le groupe a travaillé dur ces dernières années pour jouer autant de concerts que possible dans la région de SF et, ce faisant, a attiré l'attention de l'équipe de réservation de Noise Pop. Leur travail acharné et leur base de fans grandissante ont permis à Geographe d'obtenir une place d'ouverture convoitée pour le festival 2010 en soutien à Atlas Sound dans l'historique Great American Music Hall. Alors, comment ont-ils décroché ce concert de festival révolutionnaire?

Tout d'abord, dit Deni, ils ont passé beaucoup de temps à connaître toutes les personnes impliquées dans la scène musicale locale. Cela semble évident, mais de nombreux musiciens passent beaucoup de temps cachés à écrire, répéter et enregistrer leur musique. Selon Deni, il vaut la peine de sortir et de bavarder avec ses pairs. Apprendre à connaître d'autres groupes, managers, agents de réservation et propriétaires de clubs a aidé Geographe à faire partie du tissu de la scène musicale de San Francisco.

Cela a conduit à partager les factures avec d'autres groupes notables, et peut également conduire à des collaborations musicales ou même à un partenariat sur une mini-tournée commune. Deni a dit qu'ils travailleraient désespérément pour convaincre un groupe plus avancé que nous de faire la tête d'affiche d'un spectacle afin que nous puissions ensuite avoir un booker derrière la facture. Le gain du géographe serait alors en tant que groupe de soutien pour ouvrir le spectacle. Il a suggéré de le faire à plusieurs reprises «jusqu'à ce que suffisamment de personnes dans votre ville natale vous aient vu, afin que vous puissiez éventuellement monter pour soutenir les tournées nationales» qui traversent votre ville avec leur public plus large.

Une autre clé était les efforts dévoués du géographe pour suivre l'autopromotion. "La promotion ne nous est pas venue naturellement", admet Deni. “Passer plus de temps à envoyer des e-mails qu'à écrire de la musique peut être démoralisant. Mais les avantages en valaient la peine. Nous avons travaillé dur sur la promotion, et maintenant que nous avons la direction, nous pouvons canaliser toute cette énergie dans notre musique. »

Le rôle des médias & Dossiers de presse
Attirer l'attention de la presse - qui comprend tout le monde, du rédacteur en chef de divertissement de votre journal local aux blogueurs musicaux - se produira probablement une fois que vous aurez construit un public local et que vous jouerez des émissions plus importantes. Cependant, il y a un travail important qui peut être fait en ce moment par n'importe quel groupe de concerts. Dan conseille qu'une fois que vous avez décroché certains spectacles, « travaillez votre cul pour amener les gens à ces spectacles. Invitez des personnes qui peuvent vous aider, comme la presse, les acheteurs de talents et les stations de radio locales. Traitez chaque spectacle comme spécial. Envoyez des invitations à des blogs musicaux locaux et des éditeurs de divertissement à vos concerts, gardez les invitations courtes et intéressantes, et ciblez uniquement les points de vente qui ont tendance à couvrir votre style ou votre genre de musique.

Vous aurez également besoin d'un solide dossier de presse. De nos jours, la plupart des groupes s'appuient fortement sur les kits de presse électroniques (ou EPK) comme on peut le trouver sur Sonicbids, un site Web qui rassemble des artistes avec des promoteurs/agents. Les agents peuvent accéder aux EPK d'artistes soumis pour divers événements et festivals. En fait, Sonicbids est la méthode exclusive que Noise Pop utilise pour filtrer et accepter les groupes.

Que se passe-t-il dans un EPK efficace ? Assurez-vous d'inclure une biographie du groupe bien écrite et concise, au moins trois chansons, de bonnes photos (en direct et photos de presse si possible), des coupures de presse (si vous en avez), les dates des prochains concerts, les exigences techniques du groupe, vidéos de performance et coordonnées complètes. L'équipe Noise Pop a proposé quatre autres conseils clés concernant votre EPK :

1. La mise en forme de tout le texte doit être simple – faites en sorte qu'il soit facile à lire.
2. Mettez votre meilleure chanson en premier et assurez-vous qu'elle a une intro intéressante car c'est peut-être tout ce que le booker entendra avant de décider de passer à autre chose.
3. Jouez sur vos points forts. Par exemple, si vous êtes surtout connu pour des spectacles en direct puissants, assurez-vous d'inclure un clip vidéo de performance et de nombreuses photos en direct de votre groupe dans des salles bondées.
4. Assurez-vous que tous vos liens sont actifs et que toutes les chansons, vidéos et photos se chargent lorsque vous cliquez dessus. C'est frustrant et potentiellement dangereux lorsqu'un booker intéressé par votre groupe découvre que les éléments de votre dossier de presse ne sont pas facilement accessibles !

Candidature aux festivals
La première étape avant de postuler à un festival est de savoir quels festivals présentent le type de musique que vous jouez. Prenez le temps de vraiment rechercher quels types de festivals ont donné aux artistes de votre genre leur première chance. (Il y a un lien vers une longue liste de festivals de musique américains à la fin de cette histoire.)

De nombreux festivals, dont Noise Pop, privilégient les groupes et artistes locaux, du moins pour les créneaux de soutien, alors commencez dans votre propre région. Contactez les musiciens que vous connaissez, les managers, les bookers locaux et utilisez Internet pour rechercher les opportunités qui vous semblent les plus adaptées. Une fois que vous avez réduit la liste aux meilleures options, examinez attentivement le site Web du festival pour voir comment ils acceptent les candidatures et, plus important encore, quelle est leur date limite – la plupart ont des dates limites de soumission au moins un à deux mois avant le festival.

Une fois que vous êtes prêt, sautez le pas et postulez. Il est essentiel que vous preniez soin d'adapter chaque soumission au festival spécifique. Rédigez une lettre de motivation/un e-mail court et engageant qui montre que vous savez à qui s'adresse le festival et, si possible, donnez un exemple d'un concert récent qui démontre votre adéquation au public cible du festival.

Si vous n'êtes pas sélectionné, ne vous découragez pas. La plupart des festivals reçoivent des centaines de candidatures pour une poignée de créneaux d'ouverture. Si vous n'étiez pas dans le top cinq, cela ne veut pas dire que les bookers n'aimaient pas votre musique. Restez en contact tout au long de l'année prochaine et demandez à être informé de toutes les opportunités à venir. Les festivals parrainent souvent d'autres événements, tels que des projections de films, des bénéfices et d'autres activités tout au long de l'année, de sorte que vous ne savez jamais quand ils pourraient avoir besoin d'un artiste prometteur pour combler un poste dans un court délai.

Mike Deni du géographe conclut l'histoire avec ce qui s'est passé après le succès de jouer en tant que première partie à Noise Pop '10. « Les gens ont vraiment commencé à venir à nos spectacles. Peu de temps après, nous avons été invités à faire une tournée sur la côte Est, et un peu plus tard, nous avons été réservés comme support pour notre première tournée nationale avec Stars, ce qui a été un grand saut pour nous.

Au moment où Dan et son équipe préparaient le Noise Pop 2011, l'élan que Geographe avait construit depuis leur percée au festival de l'année précédente a conduit à se voir offrir une place en tant que tête d'affiche au club légendaire de San Francisco, The Independent. Ce spectacle à guichets fermés est la preuve de la trajectoire ascendante continue de Geographe, qui prouve que le talent, l'équité de la sueur et l'obtention d'un concert de festival peuvent être une voie vers le succès pour un acte indépendant.

Casey Newlin est membre de l'équipe qui produit deux festivals de rock indépendant basés à San Francisco, Noise Pop et Treasure Island Music Festival. Keith Hatschek contribue régulièrement à Echoes et dirige le programme de gestion de la musique à l'Université du Pacifique.Ils ont co-écrit une histoire d'Echoes de septembre 2010 sur la collaboration musicale en ligne.


SXSW Picks & Sleepers

RED DYE #4, LES RENUS, LES SNOBS, QUARANTE SECONDE SCANDALE: Au cours des prochaines années, recherchez les adolescents de ces groupes locaux pour commencer à faire la une des journaux et à attirer l'attention de la presse. Bien trop jeunes pour boire, leur cœur bat la chamade à la Ramones et ils font référence aux légendes d'Austin comme les Big Boys et les Butthole Surfers. Red Dye #4 et les Snobs sont déjà des vétérans de la scène, ces derniers ayant ouvert les Austin Music Awards de cette année. Comme le disaient les graffitis à la bombe aérosol : le futur, c'est maintenant. (bateau à vapeur, 12h-16h) -- Margaret Moser

DÉVERSEMENT DU LAC DE LA VILLE: Maintenant, c'est plus comme ça. Bien sûr, SXSW souhaite avoir Patti Smith ici, mais le piétinement bluegrass de Champ de rayons à lèvres fendues, majestueux rocher de chambre de Alejandro Escovedo, rauque chute de zydeco de Géno Delafose, wildman racines hoedown d'Austin Gourdes, et Bandera country roots badass Charlie Robison c'est ce que devrait être un samedi coucher de soleil à Town Lake. Ce n'est pas le Riverfest des Fab T-Birds des années 80, mais ce genre d'affiche est le Riverfest du futur. (Scène Town Lake, 17h-20h) -- Raoul Hernandez

anguilles: Vous avez peut-être manqué les années 2000 Oh quel beau matin, un recueil de matériel live des Eels' Marguerites de la Galaxie tournée, ainsi que des extraits de la tournée solo du chanteur E avec Fiona Apple. Deux ans plus tard, ces chouchous du collège sont de retour en mode Beckian avec l'âme fainéante du tout nouveau Souljacker (DreamWorks), regorge de performances d'invités de gens comme Koool G Murder et John Parish. (La Zona Rosa, 19h) -- Melanie Haupt

CHUCK PROPHÈTE: Vénéré par beaucoup en tant que guitariste et auteur-compositeur, le premier album de Chuck Prophet dans le New West, Pas d'autre amour, est attendu en avril. Avec son sixième album solo, Prophet continue de faire fondre le moule des auteurs-compositeurs-interprètes, livrant un cycle de chansons de 11 pistes qui, selon lui, concerne "les singes dansants, les criminels ratés et les tempêtes qui surviennent entre les saisons". (Mercure, 20h) -- Jim Caligiuri

LES TUYAUX DE FISSURE: Le bon révérend Ray Pride et ses puissants Crack Pipes ont élargi leur ministère garage-punk de poulet-scratch avec 2001's Chaque soir le samedi soir (Sympathie pour l'industrie du disque). Le quatuor basé à Austin a considérablement affiné son essence évangélique depuis sa modeste fondation du milieu des années 90 pour devenir l'un des principaux fournisseurs de skronk ricanant de la ville. (Beerland, 20h) -- Greg Beets

LES SENTIMENTS DUR: Tout le truc blues/punk peut parfois devenir bâclé, surtout quand le whisky coule à flot. Ce n'est pas le cas avec Austin's Hard Feelings. Leur premier album éponyme sur Sympathy for the Record Industry comprend de nombreuses guitares slide cinglantes, une section rythmique qui conduit comme un chauffeur de taxi déterminé et tout un tas de blues qui crie. (Beerland, 21h) -- Jerry Renshaw

NOYAU DE FANTAISIE: Fantasy's Core de Nagasaki est une troupe loufoque qui bascule entre punk, blues, metal et soul. L'ensemble SXSW 2001 du quintet a époustouflé plusieurs esprits avec les singeries de Mao Karisu, un chanteur charismatique enragé qui a feint le hara-kiri avec un sabre laser jouet, a fait des pompes à un bras à la Jack Palance et a chanté une ode à Pachinko. (Elysée, 20h) -- Greg Beets

LES ARAIGNÉES: En provenance de San Marcos, les Spiders proposent des morceaux de métal punk à couper le souffle et une attitude glam comme s'il ne s'était jamais démodé. Le quatuor a repris la première face de Mötley Crüe Trop vite pour l'amour dans son intégralité, ce qui devrait vous donner une bonne idée de leur intention. Les Spiders travaillent actuellement sur le suivi de leurs débuts percutants en 2000, Le sexe est plus épais que l'eau (Unscene) pour Acetate Records. (La salle rouge, 20h) -- Greg Beets

SON ET VISION SXSW: Rykodisc et David Bowie n'ont rien eu sur l'institution d'Austin des films muets marqués et accompagnés en direct par des groupes locaux. Groupe de jazz rock indépendant alternatif Trio de bras d'or pionnier de la forme avec les démarreurs de série ST 37, et ce double métrage spécial SXSW présente la bande originale tristement déchiquetée du premier sur le chef-d'œuvre de F.W. Murnau de 1926 Faust, et l'explosion nucléaire de ce dernier sur Fritz Lang Métropole, également à partir de '26. Les dames de David Byrne, celles d'Austin Quatuor à cordes Tosca, clôture la soirée. C'est Austin à son meilleur et le plus original. (Scottish Rite Theatre, 20h-minuit) -- Raoul Hernandez

BRUCE ROBISON: Avec la version en tête des charts de Tim McGraw de son "Angry All the Time" et des coupes dans les œuvres de Lee Ann Womack, Allison Moorer et les Dixie Chicks, Bruce Robison représente un tronçon de 6 pieds 7 pouces de Music Row à droite ici à Austin. Il fait aussi de beaux albums, celui de l'année dernière Pays Soleil étant une collection de mélodies nettes et de récits vivants. (Austin Music Hall, 21h) -- Andy Langer

CORNELL HURD BAND: L'un des meilleurs ensembles de honky-tonk/swing occidental au Texas, le Cornell Hurd Band vient de sortir un autre tentaculaire de 23 chansons intitulé Chanson du sud d'Austin sur leur propre label Behemoth. Mettant en vedette Johnny Bush et Marti Brom, il met également en lumière le travail du maître de l'acier Herb Steiner et la voix du bassiste Justin Trevino. (Broken Spoke, 21h) -- Jim Caligiuri

JANNE HAAVISTO & LES FARANGS: Les producteurs ont souvent de plus grandes oreilles que le talent. Ce n'est pas le cas avec l'assistante de studio finlandaise Janne Haavisto, membre fondateur des piliers instrumentaux Laika & the Cosmonauts. Le monde sonore détaillé de Haavisto s'inspire des bandes originales de Bollywood, des instrumentaux électroniques, de la pop garage, du folk international et du dub, comme on l'entend sur ses deux albums de Texialli. (The Drink le 6, 21h) -- David Lynch

MARIE LOU SEIGNEUR: Lord n'est pas le chanteur folk de ta mère. Après ses débuts sur une major en 1998, Je n'ai pas d'ombre (Sony), elle a fait une pause pour se concentrer sur sa famille. L'année dernière, elle a couvert "Speeding Motorcycle" de Daniel Johnston pour une publicité Target, qui figurait sur la série de couvertures de cet hiver, Sons de la ville en direct sur Rubrique. (Salon Empanada, 21h) -- Dan Oko

NATHAN HAMILTON: Natif d'Abilene qui habite maintenant Austin, Nathan Hamilton vient de sortir l'un des meilleurs albums du Texas cette année, Tout pour l'amour et le salaire. Les Chronique d'Austin a déliré qu'il "brûle avec un feu rare et est fortement recommandé à ceux qui recherchent une bonne portion de nouveau rock roots américain". (Hard Rock Café, 21h) -- Jim Caligiuri

GARÇONS LAS: Chapeaux de cowboy, barbes, gilets, une Telecaster, et une contrebasse. Cela pourrait épeler un groupe qui a un sens trop aigu de l'ironie, mais pas les Weary Boys d'Austin. Leur est une marque de bluegrass électrique de country authentique qui pourrait aller dans un club punk, un honky-tonk ou un pénitencier d'État (et a, pas du tout). Leurs débuts indépendants sont à la hauteur du battage médiatique. (Club continental, 21h) -- Jerry Renshaw

LES POURVOYEURS DE VIANDE: Renversant tout ce qui s'est brisé comme un tabouret de bar au-dessus de votre tête, Austin's Meat Purveyors sont de retour avec leur deuxième mosher Bloodshot, Tous Les relations sont vouées à l'échec, complet avec des couvertures de hoedown d'ABBA et de Ratt. Leur bluegrass agité n'a pas de véritable successeur, car qui pourrait égaler l'adrénaline 'n' attitude que ce quatuor a craché sur scène ? (Mère Egan's, 21h) -- Christopher Hess

LE KNOLL HERBE: Bob Green est un habitant de S.F., mais c'est la théorie du complot heebie-jeebies de son Dallas/Ft. Cela vaut la peine de lui donner son inspiration. Abandonné par Verve/Antilles après le chef-d'œuvre électro-fusion claustrophobe de 1998 III, SXSW claironne le retour du pays des merveilles du jazz 'n' paste de Green avec des lignes de basse funky .007 et des boucles de bruit blanc samplées. (Le Privilège, 21h) -- Michael Chamy

RADIO 4: Les éléments de Primal Scream sont difficiles à manquer ici, mais peut-être que le cinq-pièces de NYC joue simplement Gang of Four à la télévision Strokes. C'est un mélange fou d'une sorte de proto-New Wave avec les moments les plus dissonants du début du post-punk "I'm the Man" de Joe Jackson accéléré et retourné. (Salon de réadaptation, 21h) -- Michael Bertin

HARVEY SID FISHER: Le roi incontesté de la musique du zodiaque revient à SXSW soutenu par Austin's Hidden Persuaders. Fisher, un acteur de L.A. qui a joué des rôles dans des émissions de télévision des années 70 comme Urgence et Kojak, est devenu une figure culte de la musique avec une vidéo en accès public de 1989 de ses chansons d'astrologie. (Salon Empanada, 21h) -- Greg Beets

SUD: Plus gros que du pain grillé et deux fois plus savoureux, ce trio britannique joue comme Stone Roses redux, un trio de guitare et de voix avec une âme à brûler et un groove paresseux qui se transforme rarement en un jeu de guitare chagrin. Signé sur l'indie britannique Mo'Wax, leur nouveau A partir d'ici dans est le premier disque britannique incontournable de l'année. (Élément, 21h) -- Marc Savlov

PRÉFUS 73: La réplique de Scott Herren à la voie empruntée par le hip-hop est la création du « clip-hop ». Les MC sont utilisés comme juste une autre couche de musique en brisant les paroles en rimes coupées sans support de voyelle ou syllabique, et le reste est composé en grande partie de morceaux de disques de jazz pré-fusion de Herren vers 1973. "Vous vous demandez où est le refrain, mais je ne fais pas cette merde." (La Zona Rosa, 22h) -- Christopher Coletti

HALOU: Le duo mari/femme basé à SF Ryan et Rebecca Coseboon a réussi à capturer le son d'eros à 4 heures du matin mieux que quiconque que nous ayons jamais entendu. Des rythmes langoureux et liquides bouillonnent en arrière-plan comme une averse chaude et invitante tandis que la voix veloutée et miellée de Rebecca suinte entre des lignes de synthé moelleuses, des violoncelles enfumés et un groove ambiant apaisant qui crie "Sexe, s'il vous plaît!" (Élément, 22h) -- Marc Savlov

KELLY HOGAN: Si le chant de Kelly Hogan ne sonnait pas aussi élégamment sans effort, elle serait toujours une diva alt.country simplement pour avoir eu le bon sens de travailler avec les Jody Grind et les Rock*A*Teens. Récemment, elle a été un peu Bloodshot, son deuxième LP sur l'indie de Chicago, Parce que ça fait du bien, en améliorant des gens comme Randy Newman et les Statler Brothers. (Momo's, 22h) -- Michael Bertin

STEPHEN BRUTON: Un sideman de renom (Bonnie Raitt, Kris Kristofferson) devenu auteur-compositeur-interprète, le guitariste Stephen Bruton a récemment sorti son dernier CD, Le monde des esprits, sur New West, mais est tout aussi à l'aise en tant que directrice musicale de l'actrice primée aux Tony, Betty Buckley dans son spectacle de cabaret. En direct, il est le meilleur des deux. (Mercure, 22h) -- Margaret Moser

KELLY WILLIS: L'un des spectacles les plus attendus / fréquentés de SXSW O1, la chérie country d'Austin, Kelly Willis, a conquis le cœur des fans de tous les genres. Sa voix fera fondre votre cœur glacial de l'industrie musicale, et elle a développé une batterie de chansons qui se dressent contre les meilleures d'entre elles. Elle y ajoutera cette année avec un nouvel album. (Austin Music Hall, 22h) -- Christopher Hess

TEMPLE D'OWEN: Le domaine des auteurs-compositeurs-interprètes texans est devenu un peu encombré au cours des dernières années post-Robert Earl Keen, mais Owen Temple parvient à se démarquer du reste du peloton. Son dernier disque, En passant, sur Scenework Records, ne montre aucun signe d'effondrement en deuxième année. (Parle brisé, 22h) - Jerry Renshaw

BOB LOG III: Dans la villa du désert de Tucson, en Arizona, habite une étrange créature nommée Bob Log. Ce n'est plus la moitié de Doo Rag, il est maintenant un one-man band, jouant de la grosse caisse avec ses pieds tout en endommageant son manche avec des grooves primitifs et hyperactifs qui sont plus de la boue fétide des marais que de la vase Delta sale. (Emo's Jr., 22h) -- Michael Chamy

PAUL JONES: Ce bluesman de Delta a récemment déclaré à un journaliste : « Je crois en Dieu, mais le Diable, il a aussi du pouvoir. En écoutant la sortie de Jones en 1999, Renoncule (Fat Possum), il est clair que ce soudeur ne faisait pas que philosopher. Le son brut de la guitare et de la voix de Jones, propulsé par un batteur nommé Pickle, vous place aux premières loges de l'éternel combat entre le Bien et le Mal. (Anton's, 22h) -- Dan Oko

LA SÉQUENCE HELIO: Ce duo de Portland, Oregon, le chanteur/guitariste Brandon Summers et le claviériste de beat Benjamin Weikel ont documenté leur message sur leur EP auto-publié de 1999 Cinéma au ralenti accéléré, un premier Cavity Search en 2000, Complex, et récente sortie CS, Jeunes Effectifs. Ce message : Devenez bruyant, courbez-vous, devenez coquelicot. (District Bar & Grill, 22h) -- David Lynch

ACTIONSSLACKS: Les Actionslacks d'Oakland comptent parmi leurs favoris, de Wilco à Hüsker Dü, et tout est réuni dans leur son. La scène'Hors de vue, leur sortie de 200 litres, les trouve en train de faire ce qu'ils font de mieux : des guitares tranchantes, des paroles intelligentes, des harmonies serrées et une énergie live-wire. (Ritz Lounge, 22h) -- Jerry Renshaw

WINDOWS: Un rouage clé dans le corps des rockers cosmonautes d'Austin, les mélodies patientes de Winslow révèlent un tarif pop de rêve doux et maussade comme les Automnes et la Comète de Dallas. Il n'y a pas de Mogwai cette année, donc Winslow pourrait être parmi les étoiles les plus brillantes du ciel en ce début de saison printanière. (Mouche aux yeux rouges, 22h) -- Michael Chamy

JE SUIS LE CENTRE DU COMMERCE MONDIAL: Après que la politique mondiale ait gâché les choses, IATWTC a joué avec le nom abrégé I Am the World, mais a maintenant restauré son surnom dans son intégralité. Avec un peu plus qu'un ordinateur portable, le duo pop électronique d'Amy Dykes et Dan Gellar a rendu les synthés vraiment acceptables, même pour ceux qui ont une aversion naturelle pour cela. Piste=Chanson, leur dernier et suivi de leurs débuts Hors de la boucle, est une collection de reprises et de remix. (Buffalo Billard, 22h) -- Michael Bertin

PÉCHEURS ORIGINAUX: Nous espérons qu'Exene Cervenka n'a pas besoin d'être présentée ici, mais bon sang, la plupart d'entre vous avez la moitié de notre âge, donc : membre fondateur et force directrice derrière les légendes roots-punk de LA X, poète, auteur et tout ce que vous, les hipsters indépendants, détenez chère. La marque d'Exene sur le bricolage ne peut pas être surestimée. (Salle Rouge, 22h) -- Marc Savlov

ORCHESTRE DES 1001 NUITS: Fondé il y a plus d'une décennie par le luthiste persan Kamran Hooshmand, cet ensemble acoustique d'Austin interprète des pièces classiques et originales du Moyen-Orient d'origine persane, turque, arabe, afghane, arménienne, grecque et séfarade. Leurs débuts chez Chocolate Records, Salam, est toujours leur seule sortie, en partie parce qu'une version élargie du groupe était occupée à créer un excellent accompagnement en direct du classique du cinéma muet Le voleur de Bagdad. (Clay Pit, 23h) -- David Lynch

OJALA: Ces deux musiciens du monde chevronnés d'Austin -- Javier Palacios et Kamran Hooshmand -- mélangent leurs paysages sociaux latins et persans respectifs en un tout homogène et gracieux. S'inspirant des échanges culturels entre l'Afrique du Nord et la Vieille Espagne, leur premier album éponyme a été l'un des meilleurs locaux de l'année dernière. Écoutez la guitare, le oud, les tambours à main, les claquements de doigts persans, les sifflements et les claquements de mains syncopés. (Clay Pit, 23h) -- David Lynch

ST 37: Au milieu de tous les groupes à la recherche de la formule parfaite de trois minutes, ce groupe vétéran du space rock d'Austin est une révélation. La pop cosmique de style Hawkwind cède la place au minimalisme délicat de Spacemen 3 et à toutes les formes de chaos textural entre les deux. Pas étonnant qu'ils aient été invités à Terrastock 2002 à Boston. (Mouche aux yeux rouges, 23h) -- Michael Chamy

ALABAMA THUNDERPUSSY : Alabama Thunderpussy de Richmond, en Virginie, marie des riffs super-accordés avec des progressions de chansons mélodiques. Dans les limbes lorsque Man's Ruin s'est plié, ATP sort son quatrième LP, Regarder le Divin, sur Relapse Records. L'enfant de l'amour post-punk de Skynyrd et Entombed, ATP joue certains des plus délicieux moonshine metal qui soient. (Emo's, 23h) -- David Lynch

SIANSPHÉRIQUE: Plus doux que le Bardo Pond, ce quatuor ontarien partage son talent pour la distorsion abrasive, tout en l'utilisant pour créer une mer enveloppante de tranquillité. Des ondes chaudes et vibrantes de bonheur sonore, ainsi que de sublimes textures à la Sigur Ròs abondent sur leur dernier CD Sonic Unyon, Le son de la couleur du soleil. (Mouche aux yeux rouges, 23h) -- Michael Chamy

CENDRE: Le meilleur d'Irlande du Nord, ce punk- et Le trio influencé par le rock s'est en quelque sorte perdu dans le shuffle Britpop vers 1994 lorsque leur premier single "Jack Names the Planets" est arrivé. Depuis lors, ils ont perfectionné leurs compétences en pop crunch dans un mur empilé de méthodologies sonores, trouvé sur leur plus récent, Libérez tous les anges, qui est récemment entré dans les charts britanniques au n ° 1 et devrait également être celui des États-Unis. (Élément, 23h) -- Marc Savlov

LES MÉMOIRES: Si vous ne connaissiez pas mieux, vous penseriez que vous êtes tombé sur un disque pré-wuss Gen X, avec le son punk de la première vague et le sosie de Billy Idol Chris Brief, qui joue de la batterie et du chant. Le quatuor de Seattle a sorti son premier EP sur Interscope l'année dernière après que leur performance au SXSW leur ait décroché un contrat. (Salle Rouge, 23h) -- Michael Chamy

LES DRAGONS: Les Dragons de San Diego, dirigés par Mario Escovedo, font exploser du rock à quatre accords à la New York Dolls ou des Stones ivres de punch. Avec quatre disques à son actif, le dernier étant Rock & Roll Kamikaze on Junk - ils codifient à quoi le genre devrait ressembler - facile sur la finesse et beaucoup de passion. (Emo's Jr., 23h) -- Jerry Renshaw

YAYHOOS: Après cinq ans de faux départs, ce supergroupe alt.country -- Dan Baird, Eric Ambel, Keith Christopher et Terry Anderson -- s'est finalement uni l'année dernière pour enregistrer Ne craignez pas l'évidence. Les résultats offrent exactement le type de fanfaron auquel vous vous attendez. "Get Right With Jesus" de Baird est clairement la pièce maîtresse du LP, mais leur reprise de "Dancin' Queen" d'ABBA devrait être un spectacle phare en direct. (Mère Egan's, 23h) -- Andy Langer

LES DÉRAILLEURS: C'est drôle, mais avec le temps, "Bakersfield"/"Buck Owens" sont de moins en moins mentionnés en association avec Austin's Derailers. Si l'imitation est de la flatterie, alors Owens obtient un baiser perpétuel des fesses ici, mais cela n'atténue pas le fait que les Derailers délivrent un honky tonk infaillible, même s'il fait plus de backbeat à chaque sortie successive. (Austin Music Hall, 23h) -- Michael Bertin

JON DEE GRAHAM: "Jon Dee Graham - auteur-compositeur de grande réputation." Rarement une biographie en dit autant. Depuis 97 exceptionnel Évadez-vous de l'île aux monstres, l'ancienne Skunk et True Believer d'Austin a fait l'objet d'un bouche-à-oreille brillant. Son tout nouveau Hourra pour la Lune sur New West est peut-être son œuvre la plus sûre et la plus accessible à ce jour. (Mercure, 23h) -- Andy Langer

DARDEN SMITH: Longtemps l'un des auteurs-compositeurs-interprètes préférés d'Austin, Darden Smith est apprécié pour sa manière gagnante avec une mélodie et son honnêteté lyrique inébranlable. En avril vient la pleine floraison de Tournesol, son premier LP de nouvelles chansons en près de six ans, avec Patty Griffin, Kim Richey et une lueur certaine. (Gingerman, 23h) -- Jim Caligiuri

LES SILOS: Walter Salas-Humara & Co. vient de terminer une tournée en Europe et en Espagne, après avoir sorti Faisceau laser à côté (Checkered Past) l'année dernière, qui est plus du rock racines-collège qui les a mis sur la carte. Ils se préparent déjà à écrire le prochain album. (Momo's, 23h) -- Melanie Haupt

COMPAGNIE D'ACTION IAN MOORE: Né à Berkeley, élevé à Austin et vivant maintenant près de Seattle, le premier album éponyme d'Ian Moore en 1994 manifeste des coups de manche de guitare. Son sixième et plus récent LP, Via satellite détient des noyaux de magie des cordes, mais depuis ses débuts professionnels en tant que guitariste de Joe Ely, la musique de Moore est devenue plus nuancée. (Hard Rock Café, 23h) -- David Lynch

FORD MODÈLE T: Fat Possum est spécialisé dans le blues brut et juke-joint joué par des hommes noirs âgés, et T-Model natif du Mississippi ne fait pas exception. Il avait 75 ans lors de ses débuts pour le label, Pee Wee prend mon arme, est sorti, et 2000 a vu la sortie de Elle Aïn't Aucun de vos'm. Même selon les standards de Fat Possum, T est assez primitif, avec une formation composée d'un batteur et de lui-même en train de jouer des morceaux de blues avec des accords bourdonnants et sales. (Anton's, 23h) -- Jerry Renshaw

MONSIEUR. GOMMAGE: Andy McCarthy, natif de Manchester et compagnon du label Ninja Tune, s'efforce de créer « une musique qu'il ne pourrait entendre nulle part ailleurs », conduisant ce DJ pionnier à explorer une pléthore de genres dans des sets qui durent jusqu'à cinq heures. Son refus d'accepter des créneaux courts lui a valu une nuit entière à Plush. (Peluche, 23h) -- Christopher Coletti ANALOGIQUE II: Avant toute cette histoire d'IDM, Tortoise a créé un précédent pour l'indie rock instrumental. C'était à l'époque où tout était chaleureux, invitant et irrésistiblement groovy. Analogue, un groupe de la région du North Carolina Research Triangle, a pris ce signal et a sorti son joyau perdu de ses débuts DAA à l'été 1996. Ils sont réapparus sous le nom d'Analoge II au CMJ 2000 et au SXSW 2001, offrant des moments de bonheur analogique. (Salon Empanada, minuit) -- Michael Chamy

VUE: Ces cinq scruffs de la Bay Area l'ont bien mis en valeur avec leurs débuts éponymes Sub Pop, mais avec l'année dernière Trouvez votre maison, ils se sont débarrassés du pantalon de velours et ont augmenté le quotient post-soul des Stooges. (Chambre Rouge, minuit) -- Raoul Hernandez

SOUS-ENSEMBLE: Ce trio pop basé à Austin gagne à la fois les cœurs et les esprits avec leur capacité à explorer la défaite sans succomber au défaitisme de leurs pairs emo-loged. Les débuts de Subset en 2000, Dépasser (Post-Parlo) était un habile combo de la pop sincère de Badfinger et de l'angularité stop-start de Mission of Burma. (Ritz Lounge, minuit) -- Greg Betteraves

ADO IMPÉRIAL: Imperial Teen se spécialise dans une marque unique de bubblegrunge que peu peuvent reproduire. Après les années 96 mal de mer et '99 Ce qui est de ne pas aimer, les Teens ont fait une pause, avec les garçons (le chanteur/guitariste Roddy Bottum et Will Schwartz) décampant à L.A. et les filles (la batteuse Lynn Perko et le bassiste Jone Stebbings) restant à San Francisco. Dû plus tard ce printemps, les débuts de Merge Au, produit par les jeunes mariés Steven McDonald (Redd Kross) et Anna Waronker (That Dog) est en proie à l'irrésistible courant sombre qui caractérise la pop exaltante de l'informatique. (District Bar & Grill, minuit) -- Melanie Haupt

LES CHERS: Phénomène dans leur ville natale de Montréal, la marque de pop Dears rappelle des groupes britanniques comme Blur et parfois les Smiths - avec le chanteur Murray Lightburn étant surnommé le Black Morrissey. Leur deuxième effort, le bien intitulé Orchestre Pop Noir Romantique, sera mis à disposition par Universal Music ce printemps. (BD Riley's, minuit) -- Jim Caligiuri

ABRA MOORE: Après avoir suivi Clive Davis d'Arista à ses J Records, Abra Moore's Sans peur est attendu fin mai. Enregistré à New York, L.A., Londres, Nashville et Austin, il serait plus ambiant que les nominés aux Grammy de 1997 Lieux les plus étranges. Soyez le premier sur le bloc à entendre ce qu'elle a livré à la marque la plus en vogue du biz. (bateau à vapeur, minuit) -- Andy Langer

PETIT CAP'N TRAVIS: Il ne suffit pas que Li'l Cap'n Travis d'Austin ait maîtrisé l'impossible d'être à la fois drôle et sérieux, mais entre leur premier album éponyme et le nouveau Lonesome et Losin', ils sont devenus un sacré bon groupe. Sans prétention, autodérision et authentique presque à l'excès, le Cap'n rend le rock & roll sûr pour être un peu idiot et un peu country. Ils pourraient bien être la meilleure chose à faire à Austin. (Club Continental, minuit) -- Michael Bertin

FLATLANDERS: Atteints au studio du ranch de Joe Ely le mois dernier, Ely, Jimmie Dale Gilmore et Butch Hancock semblaient faire plus de nourriture, de boisson et de souvenirs que d'enregistrement, et pourtant leurs débuts dans le New West en mai sont l'un des albums les plus attendus du nouvel an d'Austin. Plus une légende qu'un groupe, ce trio dépasse sa mythologie. (Mercure, minuit) -- Raoul Hernandez

CASTOR NELSON: le merveilleux troisième album de Nelson, Paisible, n'est pas exactement unTexan - quelque chose que le natif de Houston et résident de longue date d'Austin ne peut probablement pas hausser les épaules - mais cela ressemble plus à un LP du catalogue de Marshall Crenshaw ou Graham Parker que de la tradition des troubadours du Texas. Plus important encore, c'est un sacré bon songcraft. (Hard Rock Café, minuit) -- Michael Bertin

VA SEXTON: Sa collaboration New Folk Underground avec David Baerwald devrait occuper une bonne partie de 2002, mais la présentation solo de Will Sexton au SXSW rappelle fortement que son Scènes de nulle part a peut-être été le LP local le plus criminellement négligé de l'année dernière. Ses récits fatalistes étaient à la fois émouvants et parfaitement transposés sur scène. (Ruta Maya, minuit) -- Andy Langer

L'imprudente KELLY: Depuis 1997, Reckless Kelly a ravi le public ici dans sa ville natale d'Austin et dans tout le pays avec sa marque de rockin' country. Leur musique est pleine d'harmonies élégantes, de guitares électriques qui sonnent et de paroles qui reflètent la vie au-delà de l'âge relativement jeune des membres du groupe. (Austin Music Hall, minuit) -- Jim Caligiuri

FUSÉES BOUTEILLES: Les Bottle Rockets l'ont fait. La fierté de Festus, Missouri, rend hommage au défunt saint patron des Cowboys cosmiques, Sir Doug Sahm, avec leur tout nouveau Chansons de Sahm (Injecté de sang). C'est un peu comme les Bottle Rockets - bâclé, fougueux et joyeux du début à la fin - et un peu comme Sahm. En d'autres termes, c'est sacrément proche de la perfection. (Mère Egan's, minuit) -- Michael Bertin

LES FILS BÂTARDS DE JOHNNY CASH: L'année a été chargée pour ces néo-honky-tonkers : ils ont (re)sorti leur premier CD, Marcher tout seul, et en plus de terminer leur tournée hivernale, on parle d'un nouvel album à l'automne. Jusque-là, nous attendons tous que l'homme en noir réclame son apparition musicale. (Broken Spoke, minuit) -- Melanie Haupt

HAUT EN FEU: Bien que Monster Magnet, Fu Manchu et QOTSA obtiennent toute la presse, c'est Sleep qui a lancé la ruée des stoner rock. L'homme à la hache du sommeil Matt Pike garde fièrement le bang en remorque avec High on Fire de SF, dont le prochain disque Relapse Records fait suite aux années 2000 L'art de l'autodéfense, qui a croisé Sabbat avec les Melvins pour créer une apocalypse incrustée de hasch. (Emo's, minuit) -- Michael Chamy

JERRY CANTREL: deuxième album solo de Jerry Cantrell, Voyage de dégradation, suggère que vous pouvez retirer le guitariste d'Alice in Chains, mais pas Alice in Chains du guitariste. L'influence de l'AIC sur les nü-métallurgistes fait de ce paradoxe un retour bienvenu. Le bassiste Robert Trujillo (Suicidal Tendencies) et le batteur Mike Bordin (Faith No More) sont tout aussi impressionnants. (Stubb's, minuit) -- Andy Langer

CONSORTIUM ANTI POP: Gérer le hip-hop avec un mécontentement agressif a donné à APC un son unique qui est parfois sombre, généralement rugueux et toujours différent. Basé principalement sur la prose et le contenu littéraire, Beans, Priest et M. Sayyid, forment une déclaration musicale bizarre qui se rebelle contre l'état vicié de la pop. En 2001, ils ont ouvert pour Radiohead en Europe et ont été salués comme un groupe « grandement poétique, perversement abstrait et direct » par Temps magazine. (La Zona Rosa, minuit) -- Christopher Coletti

JACOB FRED ODYSSÉE DU JAZZ: Après avoir terminé le croisement des salles de jazz d'Austin à ses plongées hippie-jam-band et vice-versa, Jacob Fred Jazz Odyssey de Tulsa est toujours le bienvenu dans n'importe quel lieu d'Austin. Ayant affûté leurs babines lors d'une récente tournée avec Charlie Hunter, ce trio sera sans aucun doute en pleine forme pour ce showcase. (Vibe, 12:30h) -- Christopher Hess

TEYE & VIVA EL FLAMENCO: Né aux Pays-Bas et venant à Austin via Londres et Paris, l'extraordinaire guitariste Teye a joué dans le flamenco avec Bruce Springsteen, Dwight Yoakam, Rosie Flores, David Lindley, Rick Trevino, Roseanne Cash et Lyle Lovett. Dans leur quatrième apparition consécutive au SXSW, Viva El Flamenco joue des chansons de leurs débuts en 1999 Vive le Flamenco ! (Clay Pit, 1h du matin) -- David Lynch

SIX PENCE AUCUN PLUS RICHE: Ces jeunes CenTexans ont émergé de la scène chrétienne contemporaine pour ouvrir pour 10 000 Maniacs en 1994, ouvrant la voie à la célébrité avec le doux impératif "Kiss Me" et une reprise toujours aussi poignante du "There She Goes" de La. En 2001, l'oiseau chanteur Leigh Nash pouvait être entendu sur le single "Innocente (Falling in Love) de Delerium", mais le LP promis de Sixpence ne s'est pas concrétisé. (bateau à vapeur, 1h du matin) -- Melanie Haupt

LES SADIES: Mené par les frères Travis et Dallas Good, la réponse du Canada à la Vallée de la Mort d'Austin est tout aussi apte à tirer Ennio Morricone qu'ils sont Shadowy Men on a Shadowy Planet, parce que, eh bien, il s'agit de la même chose. Avec trois disques Bloodshot à leur actif, ils sortent le surf du surf punk et le remplacent par des tumbleweeds. (BD Riley's, 1h du matin) -- Michael Bertin

OS SLOBBER: Vous avez atteint le summum du succès lorsque Stephen King fait l'éloge de votre travail dans son dernier magnum opus d'horreur. Le livre en question est Maison noire, et la chanson en question est "Gimme Back My Dog", extraite de la sortie de 'bone's 2000, Tout ce que vous pensiez être juste était faux aujourd'hui (Nouvel Ouest). Lorsque vous êtes un petit groupe de country alternatif de Denton, au Texas, c'est un éloge digne d'un communiqué de presse. (Mercure, 1h du matin) -- Melanie Haupt

TIRET: C'est juste Dash maintenant -- vous pouvez laisser la partie "Rip Rock" avec les années 90. Le nouveau Dash amélioré est toujours un trio explosif avec beaucoup d'histoire derrière eux et plus à venir (surveillez leur prochain album Détonation supersonique). Quoi que vous attendiez du groupe basé à la Nouvelle-Orléans, ils l'ont toujours et c'est mieux que jamais. (Hard Rock Café, 1h du matin) -- Margaret Moser

JEFF HUGHES & CHAPARRAL: Il sera difficile pour Jeff Hughes de battre l'an dernier Tête pour la couverture, une collection de chansons rock classiques country comme "You Shook Me All Night Long" d'AC/DC et "More Than This" de Roxy Music. Étant donné que Hughes enregistre un album tous les trois ans, préparez-vous à entendre quelques réel pays-brut. (Broken Spoke, 1h du matin) -- Melanie Haupt

JIM LAUDERDALE: L'un des meilleurs auteurs-compositeurs de Nashville et un interprète charismatique, Jim Lauderdale sort deux disques sur Dualtone en mai. Une, Perdu dans les pins solitaires, sera sa deuxième collaboration de musique de montagne avec Ralph Stanley. L'autre, Colibri, est un album qui a été rejeté par RCA il y a quelques années et qui n'a jamais été publié. (Gingerman, 1h du matin) -- Jim Caligiuri

SUPERSUCKERS: Qu'il s'agisse d'ouvrir pour les Ramones ou de soutenir Willie Nelson sur Le spectacle de ce soir, la fusion twang et punk des Supersuckers a donné lieu à 14 ans de spectacles stellaires. Après un long passage sur Sub Pop et un court arrêt sur Koch, le quatuor de Seattle a formé son propre Mid-Fi Recordings en 2001, et a récemment sorti Doit'ai été en direct, un recueil d'invités enregistré en direct à Austin, Dallas et San Diego. (Métro, 1h du matin) -- Greg Beets

FRÈRES WACO: Une excellente raison d'assister au SXSW, les Waco Brothers de Chicago ont mis sur pied un set à couper le souffle avec leur style de marque de rock twang alimenté par Celtic Clash dans des lieux allant des scènes aux ruelles. Arrêt obligatoire pour les débutants. (Mère Egan's, 1h du matin) -- David Lynch

FILS D'HERCULE: Les rois du garage punk d'Alamo City poussent tous les bons boutons - MC5, Stooges et Radio Birdman - avec leurs performances exceptionnelles. Dominant la foule comme une version punk du grand Billy Paultz des Spurs, le chanteur Frank Pugliese est un vétéran de la scène dont le groupe The Vamps a ouvert pour les Sex Pistols en 1978. (Salle Rouge, 1h du matin) -- Greg Beets

TITO & TARENTULE: Alors qu'il ne paie pas sa cotisation à la Guilde des acteurs, l'ex-chanteur de Cruzado/Plugz Tito Larriva et le guitariste de slide monstre Peter Atanasoff lancent du rock à la frontière pour faire de Tarantino/Robert Rodriguez Du crépuscule 'Jusqu'à l'aube ressemble à une comédie. Leur troisième LP, Andalousie, reste en importation uniquement. (Club Continental, 1h du matin) -- Raoul Hernandez

PONG: À la fois rétro et futuriste, et doté de quatre chanteurs, Pong est l'une des meilleures tenues d'Austin, preuve trouvée sur les débuts de Woodeye de l'année dernière, Tueur de vie. Ils vivent sur une planète peuplée de Mouse on Mars, Kool Keith, Kraftwerk, Black Sabbath, Beach Boys, Brian Eno, Can et les Minutemen. Farfelu et dangereux. (District Bar & Grill, 1h du matin) -- David Lynch


Queue d'aronde

Partagez l'EPK de Dovetail !

« Si les Beatles, les Byrds et les Beach Boys étaient tous jetés dans un mixeur, mis en frappe et surmontés d'un soupçon de Muse et du moindre soupçon de Queen, vous auriez une queue d'aronde. Des voix dynamiques et de superbes instrumentaux font de ces Texans un groupe d'ENFER que tout amateur de rock'n'roll devrait voir. - BUZZFEED

Mount Karma // Dovetail (Album Premiere & amp Track by Track Preview)

Il y a eu une surabondance de groupes de rock qui savent produire une musique rock accessible avec des guitares claquantes, des voix brutes et des émotions intenses. Bien sûr, les groupes de rock alternatif qui combinent des sensibilités folk-indie comme Imagine Dragons ou Half Moon Circle et ceux qui ont bien réussi à explorer les genres fusion comme Muse sont populaires, mais y a-t-il eu de vrais groupes de rock 'n roll ces derniers temps ?

Entrez Dovetail, un groupe de rock de six musiciens du Texas qui me rappelle la polyvalence des grands du rock 'n roll comme les Beatles et les Byrds. Cet éloge est-il vraiment justifié ?

Jump Into Limbo a eu l'occasion de présenter en avant-première leur premier album complet, Mount Karma, qui sera lancé le 29 octobre. Découvrez ce que nous avons à dire sur cet album, morceau par morceau.

En tant que chanson d'ouverture, cette chanson m'a rendu accro au reste de cet album. Il a attiré mon attention avec un refrain de guitare sans fioritures qui se répète tout au long d'une conversation entre le plomb et la basse. Le refrain démarre et je suis absolument certain que cela devrait être un énorme succès. Sans surprise, Dovetail a remporté le concours d'écriture de chansons John Lennon 2012 dans la catégorie chanson rock de l'année pour cette chanson. Bien mérité en effet ! Pour être sûr, j'ai eu ça en replay pendant des jours avant même de commencer le reste de l'album.

Après Julie, j'ai été immédiatement impressionné par le fait que ce groupe était quelque chose de spécial - et comment surpasseraient-ils ce morceau d'ouverture ? Big City était légèrement moins que parfait parce que je pensais qu'il avait une ligne mélodique maladroite (j'aurais préféré une tonalité plus basse). La grâce salvatrice sont les harmonies dans le chœur et la section de pont atténuée et pilotée par le piano.

Le titre de la chanson le trahissait - d'inspiration country à coup sûr. Cette piste est agréable d'une manière lente-hymne-triomphe-chantant-dans-la-voiture-sur-un-road-trip. Et n'est-ce pas l'une des façons les plus agréables d'apprécier une chanson rock'n roll ? Le flux et le reflux des paroles font lever les poings en l'air - et les garder là jusqu'au prochain « hé ! ».

J'apprécie pleinement les nombreux arrangements dynamiques qui ont été faits dans cette chanson. Les harmonies à quatre voix et les notes de piano sont exceptionnelles, tout comme les paroles des couplets. Malheureusement, j'ai dû rater la métaphore car je ne sais pas trop ce que veut dire "tu es si lourd"...

Voir The Sun canalise The Beach Boys avec son arrangement plus acoustique et son accompagnement d'accords de piano pop, mais garde les choses intéressantes avec des progressions d'accords inattendues et des léchages de guitare qui vous font savoir que ce n'est pas votre ballade rock typique. Félicitations au chanteur principal de ce morceau, qui ne fait preuve d'aucune retenue en chantant des notes vocales difficiles. Il se passe toujours quelque chose de nouveau dans cette chanson et je commence à me demander à quoi ressemble le processus d'écriture du groupe. Par exemple, à quoi pourraient ressembler leurs scores - s'ils en ont même un ? La pensée de la non-formalité de leurs structures de chansons est impressionnante. Je dirais que c'est ma chanson au tempo lent préférée de cet album !

Je ne peux pas te sentir écouter ici

Cette chanson a livré ce côté plus doux et plus sentimental du groupe. Le refrain est époustouflant mais triste : j'ai dépéri, j'ai perdu une journée, j'ai gaspillé une façon dont tu me veux. Mon seul problème avec cette chanson ? Cette chanson devrait être plus longue !

Si vous avez aimé le premier morceau Julie, cette chanson est dans le même fil. Débordant de sex-appeal comme devrait le faire la musique rock'n roll (je dis que c'est à cause des guitares), ce morceau est plutôt bon - mais est-ce suffisant pour donner suite à l'énergie qui est présente en Julie ? Je dirais d'augmenter le tempo, de sortir quelques guitares overdrive plus et de me frapper avec.

Plus facile à voir Écoutez ici

Ah, voilà ! PLUS DE BASSE. Finalement. À ne pas sous-estimer, l'écriture de chansons de Dovetail est de premier ordre dans cette chanson à la Muse qui voit le chanteur principal Philip Creamer chanter sa vision. Je peux sentir l'énergie puissante qui se dégage de cette chanson et qui se reproduit même dans les lignes mélodiques mineures du piano. Le tempo rapide m'a fait cogner la tête en quelques minutes, et ce sera certainement une joie de voir être joué en direct !

Ecoutez Enfants Ecoutez ici

Bien que j'aimerais penser qu'il y avait eu beaucoup de réflexion pour faire de cette chanson plus semblable à une berceuse un pont vers le suivant en faisant de l'écoute de l'album un voyage. Cependant, j'ai senti que cela s'était terminé un peu brusquement et qu'il n'avait pas vraiment rempli son objectif (prévu ?). Cependant, ce n'est pas étiqueté comme un intermède, alors qui suis-je pour juger ?

Simplement renversant! Je questionnerais rarement les auteurs-compositeurs sur leur production musicale, mais cette chanson semble parfaite pour un duo. Il s'agit juste d'appeler une voix féminine (pourrais-je suggérer une voix country, peut-être Joy Williams de The Civil Wars ?) Ne vous méprenez pas, la chanson est déjà fantastique en tant que chanson d'amour classique avec des émotions intenses. Maintenant, nous avons besoin d'entendre l'autre version de l'histoire - racontez-la ensemble !

Une chanson d'amour poignante qui se calme avec les mêmes techniques de superposition et acoustiques - mais rien de tout cela ne submerge.

Cette chanson est mémorable pour son refrain beaucoup plus simple « Ça va descendre » qui vous reste dans la tête. Remanié à partir d'une version antérieure de leur EP, ma partie préférée est le solo de guitare dans le pont, même si j'aurais aimé qu'il continue avec un abandon encore plus imprudent, comme le sont souvent les voix. Une autre fin chaotique et inattendue de la chanson (si vous écoutez l'album en entier, c'est courant !)

The Road embrasse un peu de silence, un peu d'espace pour respirer au début avant de laisser les couches se fondre dans un vortex tourbillonnant de piano, de trompette et de batterie presque au style libre. « Je ne veux pas vivre éternellement, non. Je veux juste trouver une bonne voie à suivre. Je ne veux pas être une route tendance et sans fin. sont les paroles mélancoliques qui mènent cette chanson à un de ces jours de

La configuration acoustique et la voix montante de cette chanson en font une expérience vivante, presque folklorique. Mount Karma est le titre parfait pour cette chanson, et il représente l'ensemble de l'album alors qu'il aborde les thèmes de l'amour, du voyage, de la découverte et de la perte. Les harmonies réapparaissent avec vengeance, construisant les crescendos de la chanson avant qu'elle ne retombe sur un refrain poignant "Love on mount karma, when I was young, ma vie a passé devant mes yeux."

Dans l'ensemble, cet album était sacrément bon ! Je serais certainement intéressé de voir comment les membres pourraient recréer le chef-d'œuvre qu'est cet album en direct ! Dovetail se compose de Creamer et de son frère Daniel, Aaron Haynes, Scott Lee, Tucker Cauble et Matthew McDonald. - SAUT DANS LES LIMBO

Dans son premier album complet Mount Karma, le groupe texan Dovetail fusionne Beach Boy-harmony avec le country rock influencé des années 60 tout en parvenant à conserver son propre son.

En lançant l'album avec "Julie", son lauréat du prix John Lennon Songwriting Contest pour la meilleure chanson rock, le groupe marque rapidement son territoire. La guitare occidentale nasillarde tout au long du morceau contraste fortement avec la magnifique superposition d'harmonie vocale fournie par le groupe.

Dans "Big City", le groupe passe en mode hymne complet alors que le chanteur principal Phillip Creamer plaide: "Big city ralentit et lâche prise". La voix de Creamer est définitivement l'as de Dovetail, son son rappelle celui de Matt Bellamy de Muse, moins la perfection lyrique.

Ne se cantonnant jamais à un seul style sur l'album, le groupe ralentit le tempo et met ses influences Keane au premier plan avec "See the Sun". Cette comparaison est un peu rebutante car Keane a récemment sorti un nouveau single, "Higher Than the Sun".

Dans "Story", Creamer pose une guitare lugubre sur le piano plein d'entrain. Cette juxtaposition contribue à cimenter le sentiment de perte véhiculé dans les paroles.

Le groupe prend une tournure espacée dans "The Road", un peu comme les groupes britanniques Keane et les premiers Radiohead. Creamer s'exclame : « Je ne veux pas vivre éternellement, non. Je veux juste trouver une bonne voie à suivre », et le groupe s'intensifie autour de lui, atteignant un point culminant fort.

Le culte de Brian Wilson a connu une montée en popularité au cours de la dernière décennie avec le style d'harmonie des Beach Boys atteignant le folk-rock (voir Fleet Foxes) et l'électronique (voir Animal Collective). Bien que ce que fait Dovetail ne soit peut-être pas radical, il le fait avec compétence.

Cela fait près de trois ans que le groupe a sorti son premier EP Love is War, et il est clair que le groupe a passé ce temps à perfectionner son son et à perfectionner ses compétences en écriture de chansons. En espérant qu'il ne faudra pas encore trois ans pour voir sa prochaine version. - LE COLLEGIEN

Le truc avec l'arrogance, c'est que quand ça ne marche pas - quand il n'y a pas assez de substance derrière pour le rendre crédible - c'est une recette pour le désastre. Mais quand c'est le cas - lorsque les chansons, les arrangements et les performances livrent la marchandise et vous attirent - un petit fanfaron devient la cerise sur le gâteau, un sourire entendu partagé entre l'interprète et le public.

Les natifs du Texas Dovetail - le duo frère de Philip Creamer (chant/guitare) et Daniel Creamer (claviers/chant harmonie) avec Aaron Haynes (batterie) et Scott Lee (basse) - sont des classiques du rock and roll de premier ordre, empruntant des saveurs des Beatles, des Byrds, du groupe et de Big Star pour créer leurs chansons intelligentes et enivrantes. (L'ancienne influence est accentuée par le fait que le groupe a remporté le concours d'écriture de chansons John Lennon 2012 dans la catégorie « chanson rock de l'année ».)

Ce premier album dynamique et très impressionnant démarre avec la chanson gagnante du concours, "Julie", un petit bijou tour à tour woozy et apocalyptique qui parvient à traverser trois ou quatre ambiances distinctes en moins de quatre minutes, déployant guitare rythmique acoustique, piano et orgue. , basse, batterie et le nouveau membre Tucker Cauble à la guitare solo. Ce qui fait passer la chanson de bonne à excellente, c'est ce petit air fanfaron, la confiance avec laquelle le groupe propulse la chanson à travers ses changements.bim_ad_daily_vault_print_250

Vocalement, Philip Creamer a un peu la qualité, eh bien, passionnée de Tom Chaplin de Keane, mais l'influence que j'entends encore plus - pas dans l'écriture, mais dans la performance - est Jeff Buckley. En tant que chanteur, Creamer semble intrépide, déviant, plongeant et planant à travers ces chansons, prolongeant les syllabes, créant un drame et vous laissant deviner comment il va jouer la mélodie ensuite. (Il ressemble aussi un peu au Casey Frazier de Monterey [lien], bien qu'il semble peu probable qu'ils se soient déjà croisés…)

En tant que groupe, l'une des choses que Dovetail fait le mieux est de comprendre comment décomposer une chanson jusqu'à l'essentiel et la reconstruire, comme ils le font sur "Big City", en soulignant comment le chant principal et l'harmonie, les guitares principales et rythmiques, les claviers et la section rythmique s'emboîtent. Les arrangements semblent toujours lâches et organiques, mais ils sont toujours détaillés et superposés.

Les influences du rock classique sont partout "Hey Hey Mama", dont l'arrangement ludique derrière la voix imprévisible de Creamer ne suggère rien tant que Jeff Buckley susmentionné devant les Black Crowes. Le clou de l'album "Heavy" est un puissant morceau power-pop psychédélique que Creamer propulse dans la stratosphère sur les refrains, transformant le titre d'un mot de la chanson en une mini-aria de quatre syllabes tandis que de petites lisades de guitare acoustique ponctuent les lignes.

Et cela passe donc par la ballade vaporeuse et décalée "See The Sun", l'écho vintage de "Can't Feel You" et le puissant et ondulant "Hurricane". Alors que vous avancez dans le dernier tiers de l'album, les garçons jettent un plus large éventail d'idées et d'influences dans le pot et remue, avec "Story" se sentant parfois comme une ballade perdue de U2 avec sa guitare rêveuse et écho et son ambiance troublante, tandis que " Get Down » présente une mélodie mélancolique et entraînante au cœur d'un arrangement dense et gras ponctué de rafales aiguës de guitare électrique. La chanson titre de clôture s'aventure brièvement sur le territoire de Tin Pan Alley avec un enjouement et une bravade suggérant Queen.

Pour un auditeur d'un certain âge, Dovetail sonne comme un souvenir de nuits d'été au bord de l'eau, assis sur le coffre avec l'autoradio allumé et toutes les portes ouvertes. C'est un son classique, rendu affectueusement, mais ce qui le fait vraiment fonctionner, c'est à quel point le groupe l'habite. Il n'y a pas de fausse note ici, juste de la passion à l'état pur et un talent considérable et, oui, un peu de fanfaronnade qui emporte cet album en terre promise. - LE COFFRE QUOTIDIEN

Artiste : Queue d'aronde
Chanson : 'Big City'
Qui : Dovetail est un groupe de six musiciens dont le chanteur et compositeur Philip Creamer est la force motrice et la voix. Ils sont principalement inspirés par les harmonies des années 60 et 70 axées sur le rock 'n pop anthémique. Du chant rossignol des Byrds au country rock des Eagles
Domicile : Dallas, Texas
Travail : premier EP ‘Love is War’ (2010) / premier album ‘Mount Karma’ (2012), réédité en octobre dernier (voir lien Soundcloud en bas) par leur label basé dans le New Jersey ‘Ok!Good Records’
Music Is The Dope : les grands ‘choeurs-harmonies-mélodies-orchestrations’ sont de retour. La voix du leader Philip Creamer porte les chansons raffinées à un niveau de la taille d'un stade. Euphorie Rock'n Roll ! Oh… et les cheveux longs, très longs sont de retour aussi… - LA MUSIQUE EST LA DOPE

Dire que le groupe de rock basé à Dallas Dovetail est un groupe de rock des années 60 ou 70 est en quelque sorte un léger coup à la fois pour le groupe et pour la musique à partir de là. Ils ne sont pas un groupe de reprises ou quelque chose du genre.
Dovetail n'est pas là pour nous faire trop plaisir avec des sons de plaisir nostalgique déprécié. En disant cela, je ne suis pas si naïf de penser que Philip et Daniel Creamer seraient arrivés avec ce son spécifique sans les conseils de quelques personnalités musicales notables.
Je suppose que ce que je dis, c'est que même si les harmonies nous rappellent les Beatles et les Beach Boys, leurs arrangements peuvent susciter des images de Queen, et il y a des notes de T. Rex glam et de folk de Laurel Canyon, et l'écriture de chansons, ce n'est pas le cas. il suffit de trier les grandes qualités de tous ces groupes pour créer leur son sans aucune référence ni raison. L'expérience du rock and roll n'est pas assez vieille pour penser que Dovetail (et la plupart des groupes de rock d'ailleurs) ne ressentent pas la même chose à propos des groupes des années 60 et 70.
Il y a une vraie voix des Creamer Brothers et de la compagnie. Il y a un processus organique sincère qui se déroule ici.
Après avoir entendu Mount Karma, leur premier label en 2013, vous savez que Dovetail n'est pas en train d'essayer de recréer ce que les anciens hommes d'État du rock ont ​​fait. Si c'était le cas, ils auraient juste enregistré Magical Mystery Pet Sounds ou quelque chose dans le même sens. Qu'est-ce qu'il y a d'amusant là-dedans ?
Tout au long, ils montrent leur gamme sautant de promeneurs de rock légitimes comme "Hurricane", des ballades folkloriques wilcoesques comme "Big City", le simple "Can't Feel You" et la chanson-titre de l'opus magnum élégamment construite "Mount Karma". Bien qu'il ne soit pas beaucoup plus long que n'importe quel autre morceau, "Mount Karma" ressemble à un crescendo grandiose avec des morceaux plus petits qui créent un tout plus grand. C'est vraiment un microcosme pour l'ensemble du disque.
Plus tôt cette semaine, nous avons rencontré le chanteur et guitariste Philip Creamer au téléphone et avons discuté de l'écriture de Mount Karma, un groupe de rock de Dallas, et de la prochaine étape pour Dovetail. Ils joueront ce soir (samedi 4 janvier) en première partie des rockers de Dallas Jonathan Tyler et The Northern Lights au Blue Light.
Suivez Dovetail sur Twitter ici, aimez-les sur Facebook ici, et regardez/écoutez « Julie » ci-dessous. - NOUVEL ARGO

Philip Creamer connaît John Lennon. Pas personnellement, bien sûr, mais le leader de Dovetail a certainement une parenté avec le regretté auteur-compositeur-interprète des Beatles.
Il est reconnaissant pour cette connexion. En janvier 2012, Creamer a inscrit la chanson de son groupe de Dallas « Julie », un extrait du premier album de 2012 Mount Karma, au concours international de composition de chansons John Lennon. En juillet, "Julie" avait décroché le grand prix dans la catégorie rock parmi le premier lot de concurrents. Six mois plus tard, "Julie" a remporté le plus de votes des fans lorsqu'elle a été opposée au gagnant du deuxième lot d'entrées de chansons rock.
Cela a valu à "Julie" de Dovetail le très convoité Lennon Award de la chanson rock de l'année. Creamer et ses camarades avaient déjà gagné 10 000 $ en équipement et prix. Cela fait également de "Julie" une candidate à la chanson de l'année, pour laquelle elle affrontera 11 gagnants de chansons dans les autres genres musicaux. Le gagnant, qui sera annoncé en juillet, remportera 20 000 $ en espèces.
"Participer au concours d'écriture de chansons John Lennon est l'une des nombreuses choses que nous avons faites en tant que groupe après la sortie de Mount Karma dans le but d'attirer l'attention sur les chansons de manière non traditionnelle", a déclaré Creamer, 29 ans, dans un échange d'e-mails. « Je suis entré via Sonicbids.com. Je ne suis entré que dans "Julie", même si j'ai eu du mal entre les différentes chansons du disque. "
Creamer a déclaré qu'il avait inscrit environ six chansons dans divers concours au fil des ans. Mais c'était la première victoire.
"Quand j'ai lu l'e-mail et réalisé que "Julie" avait gagné, je suis monté à l'étage, j'ai trouvé mon frère et j'ai paniqué un peu!"
Dovetail se compose de Creamer et de son frère Daniel, Aaron Haynes, Scott Lee, Tucker Cauble et Matthew McDonald. Le producteur de disques Beau Bedford se produit occasionnellement en concert avec le groupe.
Le concours Lennon a servi de catalyseur à une série d'activités avec Dovetail. Le groupe a signé un contrat d'enregistrement avec OK!Good Records, basé dans le New Jersey. Mount Karma sera réédité par OK!Good, provisoirement en août. Cela donnera au disque, qui a été publié indépendamment par Dovetail, une distribution nationale indispensable.
"Je suis très enthousiasmé par la réédition de Mount Karma pour de nombreuses raisons", a déclaré Creamer. "La première est que nous pouvons sortir l'album à un public beaucoup plus large cette fois-ci. C'est une étape décisive sur notre route. Avec tant de choses là-bas, il faut beaucoup d'aide pour couper à travers le bruit. C'est bien de savoir que ce disque sera entendu dans de nombreux endroits à travers le monde, et nous pensons que c'est un disque que les gens de toutes sortes peuvent apprécier.
De plus, le spectacle du groupe le 24 mai au Foundry Bar de Dallas marque la sortie en édition limitée d'un single en vinyle de 7 pouces avec "Julie" accompagné d'une nouvelle chanson, "Hey Hey Mama". "Hey Hey Mama" et "Big City", un autre nouveau morceau, seront tous deux sur la réédition de Mount Karma.
"Big City" et "Hey Hey Mama" capturent une forte évolution pour Dovetail. Les chansons sont toujours en accord avec les mélodies vaporeuses, les claviers en cascade et les riffs de guitare rythmés qui caractérisent Dovetail, mais il y a un côté légèrement plus dur, un son plus précis.
"'Big City' et 'Hey Hey Mama' sont certainement une continuation de notre croissance en tant que groupe", a déclaré Creamer. «Je pense qu'ils reflètent l'endroit où nous sommes aujourd'hui, bien que nous ayons choisi d'enregistrer ces deux chansons en particulier parce qu'elles ont été écrites à l'époque de la majeure partie du mont Karma et nous voulions continuer le sentiment de l'époque. Je pense que les chansons reflètent plus fidèlement nos propres préférences musicales dans l'arrangement et les aspects sonores, tout en laissant de la place pour le rôle de plus en plus important du piano et de l'harmonie.
D'un point de vue lyrique, les deux chansons évoquent des émotions personnelles pour Creamer.
« ‘Hey Hey Mama’ est un clin d’œil involontaire à notre amour du rock psychédélique et de l’harmonie familiale, peut-être même à certains des country-rock du début des années 70 que nous aimons tant. "Big City" m'enlève la douleur. Il y a un peu de cet esprit positif auquel je crois vraiment, vous savez, un peu de la conviction que lorsque nous nous éloignons de toutes les affaires de la vie, nous pouvons vraiment faire l'expérience de la beauté, et peut-être même de la paix.
Paix, maintenant il y a un mot qui relie Creamer à John Lennon. Ce concours de composition de chansons a changé le cours du voyage de Dovetail.
«Après cinq ans en tant que groupe, tout cela est définitivement un coup de pouce bienvenu. Cependant, bien que nous n'ayons pas joué autant localement ces derniers temps, nous avons beaucoup voyagé, signé le contrat d'enregistrement et revisité les morceaux de Mount Karma pour la réédition. Nous avons gravi la montagne, même si c'est souvent invisible. - Nouvelles du matin de Dallas

C'est un soir de semaine paresseux et les fenêtres de Whitehall Exchange dans le quartier Bishop Arts sont ouvertes. Un groupe de trois jeunes musiciens assis autour d'une table sirotent du whisky et de l'eau et parlent du parcours de leur premier album et de leur son incroyablement cool. Ces musiciens font partie du groupe local Dovetail et leur nouvel album Mount Karma a attiré l'attention du Local Edge et du public en adoration.

Une semaine avant la sortie de leur CD au Granada le mois dernier, Dovetail a organisé plusieurs concours promotionnels sur leur Facebook. La veille du spectacle, je suis entré sur un coup de tête et j'ai gagné. Je n'ai jamais rien gagné et j'étais plus que ravi. N'ayant entendu que quelques chansons de leur précédent EP, je les connaissais plus de réputation et d'association qu'autre chose, mais j'étais ravi de voir ce qu'ils avaient à offrir en direct et sur disque.

La performance live de Dovetail est un cocktail dynamique de touches classiques et contemporaines telles que des harmonies impeccables à trois et quatre parties, des vêtements vintage et des couvertures obscures de John Lennon. Normalement, je considérerais cela comme une recette pour un échec certain provoqué par une arrogance incroyable. Mais l'entreprise de réinterpréter le chef-d'œuvre angoissant d'un ancien Beatle a été fait si humblement que je me suis retrouvé pris dans l'honnêteté atroce de "Mother" et en fait étouffé alors qu'ils suivaient cela avec "Can't Feel You", un original mélancolique sur abandonner le fantôme dans une romance usée et bienvenue. Leur noyau rythmique solide laisse amplement la place à l'accent mis sur les touches de Daniel Creamer et la voix de Philip Creamer, rappelant mais certainement pas dérivé du grand Freddy Mercury. La structure mélodique du chant et les riffs de guitare planants de Tucker Cauble donnent à leurs morceaux une qualité transcendante qui n'est ni artificielle ni prétentieuse.

Deux ans de préparation, Mount Karma raconte une histoire non pas à travers la progression linéaire d'un album concept mais plutôt comme une exposition sur l'impressionnisme où collectivement les chansons créent des vignettes ou des scènes qui peuvent être enchaînées et prendre un nouveau sens. Des chansons comme le « Speak » à couper le souffle et le single archétypal brûlant « Julie » se tiennent solidement en position d’événements majeurs sans donner de détails concrets. La chanson titre, "Mount Karma" est placée en dernier sur l'album, décrivant un voyage de découverte de soi involontaire."Tout est une question de croissance - notre croissance", déclare Daniel Creamer, co-auteur de la voix et des clés. Le chanteur principal et frère Philip confirme cette affirmation : « Nous cherchons à savoir ce qu'est la vie pour nous. Nous sommes à la poursuite de notre objectif. Il poursuit : « Les gens ont l'impression de créer leur propre réalité, eh bien, est-ce bien ou est-ce mal ? Nous sommes arrivés au sommet de cette idée et l'avons vue sous un autre angle, c'est le mont Karma.

Initialement, Mount Karma devait être enregistré en 14 jours par l'ingénieur et producteur Beau Bedford au début de 2010, mais au fur et à mesure que le son du groupe se développait et que le concept grandissait, des choses ont été réenregistrées et de nouvelles pistes ont été ajoutées. « Le beau est un incontournable de notre musique. Il fait ressortir le meilleur de chacun de nous. dit Daniel en référence au producteur qui est également monté sur scène avec le groupe le mois dernier à Grenade pour leur soirée de sortie de CD. Comme c'est typique du travail de Bedford, le son du disque est le même que celui que l'on obtient dans la performance live et vice versa, une signature qu'il semble établir pour lui-même et les artistes assez chanceux pour travailler avec lui.

Dans notre conversation à Whitehall Exchange, il devient de plus en plus évident que l'accent dans leur effort est solidement mis sur la musique. Ils énumèrent des icônes telles que George Harrison, Bob Marley, The Beach Boys et Queen comme leurs influences et s'inspirent d'actes locaux tels que Quaker City Night Hawks, Kirby Brown et Weekend Hustler. Le plan pour le moment est de continuer à jouer ensemble, à travailler et à écrire avec Beau Bedford.

Le mont Karma est disponible sur iTunes. Si vous souhaitez voir Dovetail en direct, consultez-les sur Facebook et Twitter. - Magazine hebdomadaire Blitz

Pas pour paraître cliché, mais un nom est tout. Alors, en entendant le titre « Mount Karma », cela ne vous fait-il pas penser que vous pourriez vivre le voyage de votre vie ?

Sachez maintenant que "Mount Karma" est le premier album complet du groupe de Dallas, Dovetail, et écouter ce disque de douze titres est en effet un voyage.

L'album arrive près de trois ans après la sortie du premier EP du groupe, "Love is War", et depuis que j'ai vu le groupe pour la première fois au début de 2010, ils ont mentionné que leur intégralité serait "bientôt prêt". Maintenant, deux ans plus tard, c'est enfin le cas.

Passer un tel temps à créer un album est un signe évident de perfectionnisme, qui peut soit compter pour la qualité, soit être un énorme coup contre elle. Pour Dovetail, ils retirent facilement le premier.

Le morceau commence par la chanson « Heavy », qui commence par une très belle progression d'accords sur une guitare acoustique. Vous pouvez sentir qu'il est en train de construire quelque chose, surtout quand un chant plutôt harmonieux se fait entendre. Ensuite, ça arrive. Une vague de sons s'écrase contre vos oreilles alors que la chanson prend vie. Il y a une très belle partie au piano à ce stade, bien qu'une ou deux des touches me semblent désaccordées par rapport aux autres. Cependant, cela ne soustrait pas à la chanson, mais ajoute plutôt à son caractère. Dès qu'il ouvre la bouche, il est évident que la voix de Philip Creamer est immaculée, et comme il chante le refrain "...Tu es lourd, tu devrais savoir que je t'aime. Tu es lourd, tu devrais savoir que je ressens ça… » il force sa voix dans un registre légèrement plus élevé, mais parvient à en afficher un contrôle total. De plus, dans le deuxième couplet, lorsqu'il chante à nouveau la ligne « … Alors je vois ce lever de soleil doré, il apporte un peu d'espoir et nous tire à travers... », il fait un travail parfait en conjonction avec la musique que produisent ses camarades de groupe. de vous faire ressentir cette émotion d'espoir.

La deuxième chanson, "Listen, Children", n'est pas tant une chanson qu'un interlude ou une transition vers le morceau suivant, "Easier to See". « Au fond de ton cœur, es-tu qui tu pensais être ?… », demande Philip dès le début. Il pousse à nouveau sa voix plus haut en chantant la ligne qui est le titre des chansons, mais cette fois, il semble atteindre ses limites. Sa voix ne craque jamais, et le fait qu'il ait une gamme aussi impressionnante doit certainement être applaudi, même s'il ne semble pas aussi à l'aise cette fois. Ce qui est étrange, c'est que la première fois qu'il chante cela dans la chanson, c'est la seule fois où cela sonne de cette façon. Le refrain est l'endroit où la chanson brille vraiment, car le batteur, Aaron Haynes, fait quelques battements rapides avant qu'elle ne décolle, et la façon dont Daniel Creamer entrelace ses touches à la fin de chaque refrain est merveilleuse.

L'album frappe un peu (dans le bon sens, bien sûr) avec « Story ». L'amour perdu est le thème principal de la chanson et le refrain vous dit quelques mots basiques mais très sages, "Nous écrivons cette histoire au fur et à mesure, et nous ne pouvons pas reprendre les pierres que nous jetons…". Nous pourrions tous en tirer des leçons, si nous le souhaitons. Le point culminant de la chanson arrive au pont, lorsque la musique s'atténue un peu et que Philip chante : « Je me souviens encore de la façon dont le soleil est tombé sur ton visage. Le passage que tu as cité quand tu as dit que tu ne partirais jamais. L'émotion qu'il déverse dans cette ligne et le désespoir qui peut être entendu dans "... quand tu as dit que tu ne partirais jamais." est palpable. Être capable de susciter des émotions et de faire ressentir à l'auditeur est le plus grand effet qu'un groupe puisse espérer que sa musique ait sur ses auditeurs, bien que si peu de nos jours soient même capables d'y parvenir. C'est encore plus rare que vous trouviez un chanteur qui puisse non seulement faire cela, mais le transmettre si bien sur un enregistrement.

L'un des nombreux morceaux qui me frappent est le suivant, le bien nommé « Hurricane », dont les lignes reflètent souvent les caractéristiques de la tempête. L'intro est assez accrocheuse, en particulier la seule touche qui est tapée à plusieurs reprises. « … Et je suis assis en silence avec ton fantôme. J'ai le plus peur de toi… », chante Philip, alors que la chanson prend une tournure chaotique au niveau du refrain. C'est bien sûr - The Music Enthusiast

La dernière version de Dovetail, "Mount Karma", a été longue à venir. Depuis leur premier EP, beaucoup de choses se sont passées dans la vie : le nombre de membres a augmenté, leur style a mûri et leur son est devenu plus fructueux. Le temps les a bien servis. L'album, tout comme leur spectacle samedi soir au Granada Theatre, commence par un tintement de guitare et des harmonies vocales douces et sirupeuses qui catapultent l'auditeur dans le passé dans un groove pop de la fin des années 60/début des années 70. "Mount Karma" porte cette influence à travers des favoris comme "Easier To See", "Can't Feel You" et "Mount Karma". Il y a plusieurs moments forts et émotionnels où les chansons s'installent dans un territoire harmoniquement dense, remplissant l'oreille de fioritures vocales inspirées du gospel qui atteignent haut dans les chevrons.

Vêtu d'un blazer à motif cachemire orange et d'un pantalon argenté, Philip Creamer est clairement un showman, reconnaissant que parfois, en plus d'un ténor parfait et mélancolique, un leader pourrait faire avec un peu plus… de piquant. Et pour Dovetail, ça marche. Leur son - avec des paroles couvrant tout le spectre de l'amour qui a mal tourné à l'introspection, et des mélodies pop classiques tissées à travers une époque révolue de groove old-school, soul et rock'n'roll - se prête à certains 'je ne dit déclarations de style quoi. Et quand à mi-parcours de l'ensemble, Creamer retire le blazer pour révéler une cape avec deux coqs dans le dos, je me suis retrouvé à demander: "Oh, pourquoi pas?"

Dovetail a réalisé un set énergisant couvrant la quasi-totalité de leur record. Avec sept personnes sur scène contribuant à des paysages sonores vitaux, cela a créé une surcharge sensorielle intense et bienvenue. Sans parler du début des années 70, des projections vidéo de style « American Bandstand » et « Top of the Pops », coupant des visuels sur scène avec des lavages de couleurs trippants. Voilà à quoi devrait ressembler un spectacle, et c'était génial. - La Mode Dallas Magazine

Dallas, TX – 102.1 The Edge, l'historique Granada Theatre et La Mode Dallas vous invitent à découvrir la sortie de Dovetail & Mount Karma, pour une soirée remplie de musique, de mode, de libations et de danse. Les premiers acheteurs de billets recevront un CD GRATUIT de Mount Karma lors du spectacle. En plus de Dovetail, les amateurs d'événements assisteront au génie musical de Salim Nourallah, Menkena, RTB2 et de l'artiste roots Wesley Geiger. www.dovetailband.com. - ZVENTS.COM

Aujourd'hui marque la sortie iTunes du premier album de Dovetail, Mount Karma. Avec de l'ambiance à revendre, les hippie-rockers de Dallas proposent douze morceaux ou un soleil d'influence classique rock et pop.

Mount Karma a été produit par le gourou de Dallas Beau Bedford, un homme qui a écrit / joué / conçu une armée impressionnante de big blues pop et de rock & amp roll à l'épreuve des 100 avec le mélange parfait de soul, de grain et de spit-shine. Aux côtés de Dovetail, M. Bedford est responsable des efforts les plus récents de Larry g (EE), The Roomshounds et Kirby Brown - tous, des dossiers insistant pour être présentés jusqu'en '11. Découvrez la performance en direct de "Julie" par Dovetail, tournée depuis la cabane de Bedford dans la campagne du nord du Texas. - Le BLOG du Spectacle Majestueux

À première vue, les garçons de Dovetail semblent venir d'une autre décennie. Vêtus d'écharpes rétro, de gilets et de nombreux bijoux, ces hommes semblent se diriger vers Woodstock. Mais le nouvel album de Dovetail, Mount Karma, n'en fait pas trop avec l'ambiance de la fin des années 60. Au lieu de cela, le groupe emprunte légèrement aux parties préférées de l'histoire de la musique, en les mélangeant avec de larges parties pop.

Cela fait quatre ans depuis la sortie de l'EP Love is War de Dovetail, et les gars ont travaillé dur pour écrire, jouer et peaufiner les morceaux qui composent leur premier album complet, qu'ils sortent fièrement indépendamment. Le groupe a trouvé son son d'ici là, mûrissant et découvrant ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Les harmonies sont riches et parfaites, le son organique.

Tout au long du disque de 12 pistes, il est évident que les garçons sont polis et bien versés dans ce qu'il faut pour faire une chanson accrocheuse. Ils passent du couplet au refrain de manière transparente tout en attirant l'auditeur. Leur son n'est pas trop compliqué, mais pas trop simple. Mount Karma marche sur la ligne et le fait bien.

La force motrice de tout l'album est la voix du chanteur Philip Creamer, qui ressemble étrangement à celle de Tom Chaplin du groupe post-Britpop Keane. Mais contrairement à Chaplin, la voix de Creamer a plus d'énergie derrière elle - quelque chose qui s'apparente à celui de Matthew Bellamy de Muse, mais moins stylistiquement opératique et épique. Creamer peut facilement atteindre ces notes aiguës, mais lorsqu'il tente d'atteindre des hauteurs vocales encore plus élevées, c'est à ce moment-là que nous l'entendons atteindre ses limites. C'est rafraîchissant de voir un chanteur qui n'a pas peur de l'imperfection. La voix apporte une humanité au disque, par opposition à un réglage automatique des défauts. Son honnêteté fait briller le disque.

Dovetail célèbre la sortie de Mount Karma le samedi 24 mars au Granada Theatre avec Salim Nourallah, Menkena et RTB2. Les détenteurs de billets recevront un exemplaire gratuit de l'album.

Pistes clés à écouter : "The Road", "Mount Karma, "Hurricane" et "Heavy". - Nouvelles de Pégase - Dallas

« C'est un paysage sonore joyeux de sensibilités pop intemporelles avec des voix de fausset triomphantes, des bricolages de piano flottants et des rythmes nets et émouvants. La voix de Philip Creamer effleure le territoire de Freddie Mercury, frappant les notes octaves perçantes hors du stade. Grâce au frère cadet Daniel Creamer, les mélodies au piano sont plus classiques que la nouveauté du beau temps, ce qui complète les lignes de basse pop des années 60 de Scott Lee et les rat-tat-tats pointus d'Aaron Haynes. ” - ENVY MAGAZINE - DALLAS

"Avec un son émouvant similaire aux Black Crowes et une présence psychédélique qui vous ramène à l'époque de T-Rex, Dovetail tire sur vos cordes sensibles avec leurs belles paroles et leur mélange époustouflant d'harmonies.
Dovetail a sorti son premier EP intitulé "Love is War" il y a deux ans, et se prépare maintenant à sortir son premier album complet, "Mount Karma". Le groupe a travaillé en étroite collaboration avec le producteur originaire du Texas Beau Bedford, qui est surtout connu pour avoir écrit des chansons aux côtés d'Angelo Petraglia (Scénariste/Producteur de Kings of Leon) et Robinson (Scénariste/Producteur de Black Crowes).
« Mount Karma » était un processus de deux ans au cours duquel le groupe a grandi dans sa musique, ainsi que dans les membres du groupe. De quatre à sept : Daniel Creamer (claviers/voix), Phillip Creamer (voix/guitares), Aaron Haynes (batterie), Scott Lee (basse), Tucker Cauble (guitares principales/voix d'accompagnement), Beau Bedford (voix d'accompagnement/guitare ) et Matthew McDonald (voix d'accompagnement/percussions).
Avec la capacité d'atteindre des notes aiguës, la voix puissante du chanteur Creamer a souvent été comparée à celle de Freddie Mercury de Queen. Regardez la performance intime de leur morceau vedette, « Can’t Feel You », et vous saurez ce que je veux dire. » - LAFAMOS PR BLOG


« Puis Dieu a dit : « Tenez ma bière » : l'histoire intérieure de la nuit qui a changé à jamais les clubs de L.A.

Le 11 mars, la nuit où la NBA a annulé sa saison et Tom Hanks et Rita Wilson ont annoncé qu'ils avaient contracté COVID-19, presque tout le monde dans une boîte de nuit soupçonnait que quelque chose d'horrible allait arriver. En l'espace d'un peu plus d'une journée, une ville regorgeant de musique live, de bars bondés et de discothèques en sueur s'est éteinte. Avec eux est allée toute une économie culturelle qui, pour beaucoup de ceux qui y travaillaient, était toute leur vie et leur gagne-pain.

Alors que la Californie se prépare à rouvrir provisoirement ses entreprises, la musique en direct et la vie nocturne sont deux des industries toujours en pause complète. Le Hollywood Bowl est vide pour le premier printemps depuis près d'un siècle. À travers la ville et le pays, les concerts ne reviendront probablement pas le reste de l'année. L.A. commence seulement à gérer la perte - économique, culturelle et personnelle - qui se produit lorsque les lieux ferment, que les artistes s'éloignent et que les scénographes luttent pour rester en contact.

Le Times s'est entretenu avec les propriétaires, le personnel et les artistes de quatre clubs indépendants de premier plan : McCabe's Guitar Shop, un endroit folklorique bien-aimé à Santa Monica the Troubadour, le légendaire rock de WeHo Sound, un club techno à Hollywood et le Satellite, un indie et alt- club de comédie à Silver Lake. Ils ont ressenti la confusion et la terreur de cette nuit autant que n'importe qui dans la ville, et leurs souvenirs des mois passés et leurs idées concernant un avenir incertain forment cette histoire orale de l'une des périodes les plus surréalistes et les plus inquiétantes de l'histoire de la musique de Los Angeles.

1. 11 MARS : « CECI VA NOUS TUER »

Jeff Wolfram, propriétaire du Satellite: Nous allions très bien. Nous avions deux soirées dansantes le week-end et essayions de nous concentrer sur de nouveaux groupes. Lorsque SXSW [le festival South by Southwest à Austin, Texas] a été annulé, j'ai pensé que cela pourrait être quelque chose. Cela semble stupide maintenant, mais je ne savais pas que ce serait un problème aussi important qu'il l'était.

Kora Peterson, productrice d'événements de McCabe's Guitar Shop : Cette année commençait si bien. Nous avons eu Rufus Wainwright pendant trois nuits pour son émission Audible. Nous avons eu Winona Judd. Nous avons eu ce spectacle Holly Near à guichets fermés et Alejandro Escovedo, et Hiss Golden Messenger à venir. C'était comme si l'arc de cette année était génial, avec les gens que nous obtenions sur le calendrier. C'était tellement triste pour moi de devoir le démonter.

La Californie rouvre lentement, laissant espérer que vous pourriez bientôt voir votre artiste préféré en concert. Mais d'une scène d'arène ? Un écran d'ordinateur ? Un drive-in ?

Kobi Danan, propriétaire de la discothèque Sound: Nous avons eu trois spectacles à guichets fermés au club ce week-end, nous avons fait la promotion d'un spectacle au Shrine et nous avons vendu 15 000 billets pour le festival Art of the Wild à Las Vegas. Nous faisions 220 spectacles par an, 90% étaient complets. Nous avions 35 spectacles prévus autour de Coachella. 2020 s'annonçait comme la meilleure année de notre entreprise. Alors Dieu a dit : « Tiens ma bière. »

Christine Karayan, directrice générale du Troubadour : Je ne faisais pas vraiment attention au reste du monde, parce que quand vous faites des journées de 12 heures, vous êtes en quelque sorte isolé. Nous avons commencé à recevoir des appels téléphoniques avant le spectacle Glass Animals. « Est-ce que ça se passe toujours ? » "Oui bien sûr." Ensuite, nous nous demandons : « Est-ce qu'on fait le spectacle ? OK, nous allons faire le spectacle. Tout ira bien."

Ashanti Rogers, gérante du bar au Satellite : J'essayais de ne pas alourdir [Jeff], mais quand la NBA a fermé, c'était comme « uh oh », et le lendemain, deux groupes ont été annulés. Cela n'a vraiment commencé qu'après le week-end, lorsque le gouverneur a déclaré qu'il n'y avait pas de groupes de plus de 250, puis 50, puis 10. J'ai dit: «Cela va nous tuer, nous ne sommes pas essentiels. Nous allons être la première chose à fermer.

Karayan: Je me souviens que mon mari disait : "Tu dois faire attention." Je me dis : « Vous explosez tout cela de manière disproportionnée. Tout ira bien. » Le public était simplement ravi d'être là. Il n'y avait pas de réponse : « Est-ce sécuritaire d'entrer ? » Je me souviens être venu au bureau après et nous nous sommes dit : « Il se passe quelque chose de bizarre. » Vous pourriez sentir quelque chose changer.

Peterson : Cette semaine-là, nous avions We Five et Kinky Friedman, et avant que les [officiels] ne donnent le mot interdisant les rassemblements de masse, nous avons débranché nos émissions. Nous ne voulions pas faire partie du problème. J'ai parlé au manager de Kinky, et il m'a dit : « Comment veux-tu jouer à ça ? Nous sommes heureux de faire le spectacle si vous le souhaitez. J'ai dit: "Nous aimons Kinky, donc ça me brise le cœur de faire ça, mais nous ne pouvons pas." Beaucoup de nos clients sont plus âgés et nous ne voulions pas les mettre mal à l'aise.

Dave Bayley, chanteur de Glass Animals, le dernier groupe à jouer au Troubadour : Juste avant le rappel, mon directeur de tournée Tom est venu me voir et m'a dit : « Ce sera le dernier concert auquel quelqu'un ira à L.A. depuis très longtemps. Voulez-vous en dire quelque chose à la foule ? » J'étais juste comme: "Absolument pas. Cela va envoyer une vague de panique dans la foule. » J'ai juste pensé: "Je dois y aller aussi fort que possible pour ces deux dernières chansons." Je me sentais comme si j'avais la responsabilité de rendre les gens heureux pendant les 15 dernières minutes de musique live à L.A.

Charley Tichenor, chanteur de Dirty Cakes, dernière tête d'affiche du Satellite : Alors même que nous nous préparions pour le spectacle, les barmans ne prenaient pas d'argent liquide et portaient des gants. J'ai demandé de l'eau et je suis allé leur serrer la main et ils ont dit : « Je ne te touche pas. Je joue en live depuis 15 ans. Je n'ai jamais eu cette conscience de vivre au milieu de quelque chose auparavant. Nous avions fait la queue pour entrer et à la fin de la nuit, il y avait peut-être 20 personnes dans la pièce. Les gens sont sortis pour fumer des cigarettes et ne sont jamais revenus.Cela a fini par être le dernier combat.

2. LE FALLOUT : « HOLLYWOOD EST UNE VILLE FANTME »

Bayley : Après L.A., nous avons eu San Francisco. Il y a normalement, il y a des tas de gens qui marchent partout, mais c'était presque zombie. Alors nous avons juste vidé toutes nos affaires au milieu de la rue pour les mettre dans un camion qui allait les stocker pour nous, car nous ne savions pas quand nous serions de retour.

Spencer Sutherland, auteur-compositeur-interprète, a réservé pour jouer le 12 mars au Troubadour : C'était brutal, mec. Il s'annonçait comme le plus grand spectacle en tête d'affiche de ma carrière. Et nous avons eu des invités vraiment spéciaux qui sont venus chanter avec moi, et beaucoup de gens de l'industrie. Cela allait être une nuit magique, mais COVID avait d'autres plans.

Karayan : Nous sommes venus lundi et avons dit: "Wow, nous devons annuler le reste du mois, car quoi que ce soit, c'est clairement mauvais." Personne ne savait quoi faire. Dans ma tête, je me disais : « Voyons si nous pouvons déplacer tous ces spectacles de mars. Nous avons quelques lacunes ici et là en été. Voyons si nous pouvons les déplacer en juin. Nous avons eu quelques trous en avril. Et puis – excusez mon français – le s – a frappé le ventilateur.

"Pig Feet" de Terrace Martin a été enregistré la semaine dernière et met en vedette Kamasi Washington, Denzel Curry, G Perico et Daylyt.

Esperanza Riskin, copropriétaire, McCabe's Guitar Shop : Nous avons dû licencier tous nos employés de concert. Ils étaient tous des travailleurs de concert. C'était déchirant. Bob [Riskin] et moi sommes propriétaires du magasin, et nous nous sommes assis à la maison, stupéfaits, pendant deux semaines. Nous regardions les murs en disant : « Comment allons-nous rouvrir ? » Nous ne sommes plus de jeunes whippersnappers. Nous sommes tous les deux dans nos 70 ans. Alors faut-il aller au magasin ? Ne devrions-nous pas aller au magasin? Ferons-nous le magasin? Il y a 30% de chance que nous l'obtenions. Ce n'est pas agréable de penser ainsi, mais c'est la vérité. N'est-ce pas affreux ?

Wolfram: Nous avons beaucoup bu la journée. Nous venions travailler tous les jours en disant : « OK, nous allons peindre, faire quelques petites choses, il n'y a pas d'argent, alors nous le ferons aussi bon marché que possible. » Nous travaillions pendant deux heures, puis prenions une pause bière. C'était en fait un peu déprimant.

Artie Sinaplidis, directeur général, Son : Je ne pensais pas que ça durerait aussi longtemps. Je pensais que ça prendrait deux mois et que nous continuerions notre vie.

Shailee Ben-David, barman, Son : Ne pas faire quelque chose physiquement m'a rendu fou. Mais vous avez des relations avec les gens qui viennent se faire servir par vous. Sound a créé un GoFundMe, et le nombre de personnes qui ont fait des dons était incroyable. Cela a aidé chacun d'entre nous à payer son loyer.

Wolfram: Nous vivons de très mauvais moments. Nous survivons à peine. Nous ne survivons même pas vraiment. Il devient difficile de payer les services publics, et nous avons lancé un GoFundMe pour nos employés, mais pour le moment, je ne suis pas sûr à 100% que nous allons y arriver.

Risque de : La communauté n'arrête pas d'appeler en disant : « Vous allez rouvrir, n'est-ce pas ? » Je dis: "Nous essayons, nous essayons." Il y a eu un moment où nous avons pensé que non. Le premier tour du [Programme de protection des chèques de paie], nous n'avons pas eu. Et les ventes en ce moment ne nous permettent pas de continuer, même en bordure de rue. Nous l'avons eu au deuxième tour. Ce prêt est ce qui nous permet de continuer et de pouvoir payer nos employés.

Ben David : Les gens font de la [musique] par passion. La plupart n'en tirent pas d'argent. Cette expérience a montré à quel point nous avons encore une communauté pour la musique. Les gens font des dons à des sites, mais combien de temps cela va durer, nous ne le savons pas.

Danan : Les personnes sur la liste de paie sont toujours sur la liste de paie, mais les employés horaires comme la sécurité, les barmans, ont été les plus touchés. C'est toute une industrie qui repose sur tant de pièces mobiles, et elles ont toutes disparu en 24 heures. Hollywood est une ville fantôme absolue. Je n'ai jamais rien vu de tel.

Sinaplidis : On se croirait dans la « Twilight Zone » ici. Je ne sais plus quel jour on est.

Danan : Je ne pense pas que les gens sachent à quel point [la musique] est importante pour l'économie. Ils ne comprennent pas combien de vies cela prend en charge.

Wolfram: Les gens pensent : « Oh, vous possédez une salle, vous devez être riche. » Non pas du tout. Dans chaque petite salle, nous fonctionnons sur les marges du restaurant. Vous ne gagnez pas d'argent, mais vous le faites parce que vous l'aimez. J'ai contacté [Rep.] Adam Schiff et des organisations pour les lieux, et il y a eu beaucoup d'enthousiasme. Live Nation et Goldenvoice iront bien, mais les salles indépendantes sont foutues.

Tichenor : Il y a des gens qui fuient la ville, pour des problèmes de loyer, d'argent ou de santé. Les clubs où nous avons donné des concerts, les bâtiments sont à vendre. Je ne sais pas si les choses vont rebondir, car tout ne sera pas là. Je connais des gens qui sont morts de drogue ou de suicide depuis que c'est arrivé, qui allaient à des spectacles cinq soirs par semaine. Être dans un public était l'une des dernières choses qui les tenait ensemble.


Contenu

Formation Modifier

Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires en 1981, Steve Perry a quitté sa ville natale de Binghamton, New York, pour Eugene, Oregon, pour poursuivre des études d'athlétisme et un diplôme en chimie à l'Université de l'Oregon. [1] [2] Un passionné de punk rock depuis l'adolescence, Perry est devenu bientôt absorbé dans la scène de musique underground d'Eugene, où il a rencontré et s'est finalement lié d'amitié avec le musicien et l'étudiant universitaire Dan Schmid. Partageant des ambitions musicales similaires et un désintérêt mutuel pour l'école, le couple a accepté d'abandonner l'université ensemble et de fonder un groupe, formant le trio punk The Jazz Greats en 1983, qui est devenu le groupe de garage rock de style Paisley Underground Saint Huck, qui a duré de 1984 à 1987. [3] [4]

Alors que l'essor du grunge commençait à éliminer progressivement le punk et le hardcore de l'underground du Nord-Ouest à la fin des années 1980, Perry a décidé de créer un groupe qui contrastait de manière provocante avec l'attitude shoegazing du rock alternatif, mettant en vedette une musique dance à haute énergie et Zappa-esque. théâtralité dans une tentative de créer quelque chose auquel un public réagirait viscéralement au lieu de passivement. [5] [6] [7] Recrutant une section de cuivres dirigée par le saxophoniste alto Brooks Brown, Perry et Schmid ont formé leur dernier groupe Mr. Wiggles - ainsi nommé d'après une chanson du Parlement - en novembre 1988, jouant leur premier spectacle à Springfield dans le cadre d'un concert-bénéfice pour les travailleurs de l'usine de fabrication de portes Nicolai, qui se sont alors engagés dans une grève syndicale. [4] [5] [8] [9]

"Ma conception du punk", a déclaré Perry La fusée, "faisait tout ce que vous vouliez tant qu'il avait de la vitalité et n'était pas trop stupide. quelque chose d'exploratoire et d'expérimental", citant l'influence de groupes de genre tels que The Clash et les Meat Puppets. [1] [8] Dans leur première incarnation, M. Wiggles jouait de la funk et de la soul aux accents punk, bien que l'écriture de chansons de Perry se soit rapidement développée pour s'inspirer fortement d'un nouvel intérêt pour le jazz, le swing et le rhythm and blues, combinant des arrangements de punk rock et de jazz dans ce que Perry a décrit était un désir de moderniser la musique roots américaine en lui insufflant une énergie punk et en utilisant un lyrisme moderniste et socialement conscient. [5] [10]

Les premières années (1989-1993) Modifier

En 1989, le titre de M. Wiggles a été retiré lorsque le groupe a changé de nom, "Cherry Poppin' Daddies", dérivé d'une chanson jive que le groupe avait entendue sur un record de course vintage. [11] Le groupe a joué son premier spectacle sous le nom de Cherry Poppin' Daddies the W.O.W. Hall à Eugène le 31 mars. [4]

Les Daddies ont cherché à se différencier des autres groupes de rock du Nord-Ouest de l'époque en ayant une section de cuivres, mettant en vedette des pièces de théâtre étranges et encourageant leur public à danser. [1] Comme Perry parlait de l'idéologie des Daddies, "C'était notre façon de dire 'Va te faire foutre' [au rock alternatif 'phoniness']. Nous voulions nous amuser, nous amuser outrageusement sans même y penser". [12] [13] Néanmoins, à la fin de 1989, les papas avaient construit un public fort et fidèle au sein de la contre-culture d'Eugène, vendant fréquemment des spectacles et recueillant des éloges de la critique." [14] [15]

Les papas ont enregistré leur première cassette démo 4 D'en haut en juillet 1989, qui comprenait quatre morceaux de funk rock et de swing influencé par le punk. La cassette s'est vendue à plus de 1 000 exemplaires dans les régions d'Eugene et de Portland, permettant au groupe de produire lui-même son premier LP. Férocement lapidé, sorti l'année suivante. [16] Fusionner des cuivres punk rock et jazz avec des grooves funk, Férocement lapidé a établi des comparaisons critiques favorables avec les contemporains Faith No More et les Red Hot Chili Peppers tout en devenant également un best-seller régional. L'album a établi un record de ventes anticipées dans les magasins de disques d'Eugène et est resté pendant plus d'un an sur La fusée's Liste des vingt premiers du nord-ouest. L'album a contribué à étendre la portée des tournées du nord-ouest des papas jusqu'en Alaska et à Los Angeles en 1992. [2] [17] [18]

Controverses et censure Modifier

Les premières performances de Cherry Poppin' Daddies comprenaient souvent des costumes flamboyants, des danseurs go-go, des décors de scène phalliques, des sketches lourds d'accessoires ou des numéros de danse chorégraphiés. [14] [19] Perry—alors jouant sous son personnage de savant fou de "MC Large Drink" [20] — se livrerait régulièrement à des cascades absurdes de roche de choc, telles que la crucifixion simulée et le brûlage de drapeau. [19] [21] [22] L'un des accessoires de scène du groupe était connu sous le nom de "Dildorado" ou "The Dildozer", une tondeuse à gazon modifiée pour ressembler à un pénis humain qui imitait l'éjaculation en tirant des fluides colorés de son extrémité. [21] [23]

Le groupe a suscité la controverse des groupes féministes, qui ont condamné les performances du groupe comme étant pornographiques, citant leur nom et leur lyrisme à caractère sexuel comme une promotion du sexisme et de la misogynie. Perry a contesté ces affirmations, défendant les éléments controversés comme une satire mal interprétée. [19] [24] [25] Dans quel Eugène Hebdomadaire appelé "le sujet le plus discuté sur la scène musicale locale" et "le point d'éclair d'Eugène pour le débat national croissant sur la censure [et] la liberté d'expression", les papas ont connu une controverse qui a presque mis fin à leur carrière naissante. [19] Les groupes de protestation Vigilante déchiraient ou dégradaient habituellement les affiches du groupe et cherchaient à boycotter les lieux qui réserveraient le groupe et même les journaux qui leur donnaient une critique positive. [26] Les concerts des papas sont devenus régulièrement des sites de piquetage organisé et, à une occasion, une alerte à la bombe. [8] [19] [27] Les membres du groupe eux-mêmes étaient des destinataires fréquents de courrier haineux, de menaces et de harcèlement physique : une fois, a affirmé Perry, un manifestant en colère lui a jeté une tasse de café chaud au visage alors qu'il marchait dans la rue. [7] [8]

Les papas ont d'abord refusé de changer de nom pour des raisons de liberté artistique, mais un certain nombre de salles ont refusé de les réserver en raison de la publicité négative. Le groupe a été temporairement banni du W.O.W. Hall, où ils avaient auparavant servi de groupe maison. [1] Le groupe a cédé plus tard à la pression de la communauté et a joué sous le nom « The Daddies », « The Bad Daddies » et des variations similaires au sein d'Eugene, mais a joué sous leur nom d'origine lors d'une tournée ailleurs. [19] [28] [29] Pendant que les papas retiraient les éléments théâtraux de leurs spectacles vivants plus tard, les controverses entourant la bande ont diminué et ils sont revenus à utiliser leur nom complet partout. Certaines plaintes mineures ont refait surface lors de leur succès grand public à la fin des années 1990. [30]

Tournées nationales et succès indépendant (1994-1996) Modifier

Au début des années 1990, les Daddies ont continué à rester un tirage fiable et rentable dans le circuit des clubs du nord-ouest du Pacifique et du nord de la Californie. Bien qu'il ait reçu les éloges de la presse musicale locale, notamment en remportant SF Hebdomadaire Le titre de "Meilleur groupe non signé" en 1994 [31], les papas ont lutté pour obtenir une reconnaissance et une distribution plus larges. [32] Suite à un certain nombre de changements dans leurs formations de membres et de direction, le groupe s'est lancé dans sa première tournée nationale à l'automne 1994, qui a été soulignée par un set au festival et à la convention CMJ Music Marathon à New York. [15] [18] À leur retour à Eugene sans aucun accord avantageux, les papas ont plutôt acheté et construit leur propre label indépendant et studio d'enregistrement, Space Age Bachelor Pad Records, où ils ont autoproduit et auto-enregistré leur deuxième album studio, Muscle Car Rapid City, qui est sorti en décembre 1994. [15] [33] Décrit par Perry comme "un album d'idées" [34] et "très psychédélique", [33] Voiture de muscle rapide de la ville était un départ distinct de l'ambiance de musique de danse optimiste de Férocement lapidé, présentant un large éventail de genres disparates, notamment le ska punk, le rock psychédélique, la country, le rockabilly, le big band, le hard rock et le lounge. [13] [35] Alors que Perry a cité rétrospectivement Muscle Car Rapid City comme son album préféré des papas, a-t-il révélé dans une interview en 1995 avec le Los Angeles Times que l'album s'est « bien vendu » mais n'a finalement pas dépassé le succès de Férocement lapidé. [33] [34] [35]

Les papas ont commencé à se consacrer à des tournées à plein temps en 1995, jouant plus de 200 spectacles sur deux ou trois tournées nationales par an, y compris des spots dans des festivals de musique de premier plan tels que South by Southwest à Austin, Texas. [15] [18] [36] [37] Au fur et à mesure que le groupe construisait des bases de fans et des marchés à travers le pays, ils ont finalement commencé à attirer l'intérêt de nombreux labels et producteurs de disques de premier plan, parmi lesquels auraient inclus Hollywood Records, Roy Thomas Baker et Terry Ellis. [13] [15] Cependant, quand la suggestion ou la stipulation a été faite que les papas s'en tiennent à un genre, Perry a invariablement rejeté ces offres, ne voulant aucune influence extérieure contrôlant le son du groupe. [15] [34] [38] Dans un état d'esprit similaire, ne souhaitant pas être cantonné dans une scène ou un genre spécifique, Perry a d'abord refusé de tourner avec des groupes de ska, mais après une tournée très réussie et bien reçue avec Fresno Le groupe de ska Let's Go Bowling, il a acquiescé, et les Daddies ont fini par se tailler une niche lucrative au sein de la scène nationale du ska, formant des partenariats de tournée réguliers avec The Mighty Mighty Bosstones, Reel Big Fish et Less Than Jake. [15] [18] [39] [40]

Alors que l'intérêt croissant du grand public pour le punk et le ska au milieu des années 1990 offrait aux Daddies de nouvelles opportunités commerciales, Perry insistait toujours avant tout sur le maintien d'un contrôle créatif complet du groupe. [15] En février 1996, les papas ont sorti leur troisième album studio autoproduit sur Space Age Bachelor Pad, Enfants dans la rue. Un autre départ musical de leur précédent disque, Enfants dans la rue était principalement le reflet des influences punk et ska croissantes du groupe, évitant le funk et le swing cuivrés des Daddies au profit du rock, du punk et du ska à la guitare, ainsi que des détours stylistiques vers le jazz et la country. [33] Distribué par le célèbre label indépendant Caroline Records, Enfants dans la rue a fini par devenir la sortie la plus réussie des papas à l'époque, restant sur La fusée Top 20 des ventes au détail pendant plus de sept mois et même en train de se frayer un chemin sur Pierre roulante Graphiques alternatifs. [18] [41]

Zoot Suit Émeute et les années des grands labels (1997-1999) Modifier

À la fin de 1996, le ska avait percé dans le courant dominant américain en tant que l'une des formes de musique alternative les plus populaires, catapultant des groupes de labels majeurs tels que Reel Big Fish et The Mighty Mighty Bosstones sous les projecteurs nationaux. [42] Les Daddies, cependant, sans le soutien d'une maison de disques, ont finalement été laissés en marge de la visibilité commerciale. Même si Enfants dans la rue s'était bien vendu pour une sortie indépendante, le groupe avait du mal à obtenir une presse et une distribution en dehors du Nord-Ouest, tandis que la pression des tournées à temps plein devenait inévitablement une contrainte personnelle et financière pour les membres. [43] Les papas ont connu au moins quinze changements de composition de 1996 à 1997, y compris le départ du claviériste d'origine Chris Azorr et du co-fondateur Dan Schmid, ne laissant que Perry et la trompettiste Dana Heitman comme seuls restes de la formation d'origine. . [27] Sentant qu'ils avaient finalement atteint un plafond de verre en tant que groupe indépendant, Perry a déclaré que les papas se retrouvaient avec l'une des deux options à ce moment-là : soit signer sur un label, soit rompre. [10] [43]

Bien qu'ils aient principalement joué des tournées de ska au cours de cette période turbulente de leur carrière, les Daddies ont soudainement commencé à attirer un public important et enthousiaste pour leur musique swing, en grande partie en raison de l'intérêt du public pour l'ancien mouvement de renouveau du swing underground dû en partie au succès du Film de 1996 Échangistes. [44] Bien que les papas aient parfois joué des spectacles avec des groupes de renouveau swing notables comme Royal Crown Revue, ils n'étaient pas largement associés à la scène ou à la sous-culture lorsque les fans commençaient régulièrement à s'approcher de la table des marchandises du groupe pour demander lequel de leurs albums contenait les chansons les plus swing, les papas ont réalisé qu'il leur manquait un album représentant pleinement leur côté swing, ce qui a incité le manager du groupe à les convaincre de compiler toutes leurs chansons de swing sur un seul CD jusqu'à ce qu'ils puissent se permettre de faire un nouvel album, en utilisant leurs finances disponibles pour enregistrer plusieurs pistes bonus pour inclusion. [6] [45] [46] [47] Le résultat, Zoot Suit Riot : les tubes swing des Cherry Poppin' Daddies, est devenu un article étonnamment populaire alors que le groupe partait en tournée, vendant jusqu'à 4 000 exemplaires par semaine via leurs distributeurs Northwest. [6]

Alors qu'il s'est arrêté à Los Angeles lors d'une autre tournée ensemble, Reel Big Fish a organisé une rencontre entre leur label Mojo Records et les Daddies dans l'espoir d'aider le groupe à obtenir un accord de distribution pour Zoot Suit Émeute. [37] [47] les négociations suivantes entre Perry et Mojo, cependant, l'étiquette a signé à la place les Papas à un contrat d'enregistrement de deux albums. [46] [47] Zoot Suit Émeute a été licencié et réédité par Mojo et distribué à l'échelle nationale en juillet 1997, moins de quatre mois après sa sortie originale.

Percée grand public Modifier

Alors que la musique swing gagnait régulièrement en essor commercial tout au long de 1997, les ventes de Zoot Suit Émeute considérablement augmenté en décembre, Mojo déplaçait 12 000 unités par semaine. [47] En janvier 1998, le label a informé les papas de leur décision de pousser la chanson titre de l'album en tant que single majeur et de la distribuer parmi les stations de radio grand public.[47] Les papas, qui commençaient à travailler sur leur prochain album studio, ont ardemment protesté contre ce mouvement, croyant qu'une chanson swing ne serait jamais diffusée et craignaient que le groupe finisse par devoir récupérer les coûts de commercialisation. [8] [43] [46] Mojo a néanmoins persisté, et à la grande surprise du groupe, "Zoot Suit Riot" a rapidement trouvé une rotation régulière sur des stations telles que l'influente KROQ-FM de Los Angeles, aidant à établir la musique swing dans le courant dominant et leader à son éventuelle percée commerciale, avec les papas au premier plan. [48] ​​[49] À la mi-1998, les Daddies s'étaient imposés comme l'un des groupes les plus réussis du renouveau du swing : après s'être hissé au premier rang sur Panneau d'affichage's Top Heatseekers, Zoot Suit Émeute est devenu le premier album du swing revival à décrocher le Top 40 sur le Panneau d'affichage 200, culminant au numéro 17 et passant un total ultime de 53 semaines dans les charts. [50] En juin 1998, l'album s'était vendu à 500 000 exemplaires aux États-Unis, dépassant les ventes de 1,4 million en août. [47] [51] [52]

Se trouvant soudainement très demandés, les Daddies ont immédiatement recommencé à tourner. Passant la majeure partie de 1998 et 1999 sur la route, le groupe jouait maintenant près de 300 spectacles par an, réalisant à la fois des tournées en tête d'affiche et en soutien aux États-Unis tout en voyageant à l'étranger en tant que l'une des têtes d'affiche du Warped Tour 1998 aux côtés de Rancid, NOFX et la mauvaise religion. [53] À cette époque, les conditions de tournée du groupe s'étaient grandement améliorées, incitant ainsi Dan Schmid – qui avait initialement quitté le groupe en raison de problèmes de santé – à revenir en tant que bassiste des Daddies à la demande de Perry. [54]

Bien que les Daddies connaissaient un succès commercial sous couvert de revivalistes swing, ayant été déclarés les « leaders » du mouvement par Pierre roulante, le groupe a ouvertement contesté le fait d'être qualifié d'acte rétro à l'exclusion de leurs influences dominantes ska et punk et de leur lyrisme moderniste. [17] [53] [55] Alors qu'ils étaient encore des partisans vocaux à la fois du renouveau du swing et de ses groupes, les papas ont catégoriquement essayé de se dissocier de la scène du swing et en particulier de sa mentalité basée sur la nostalgie : Perry a expliqué à Tournoyer en juillet 1998, "ce n'est pas notre mission d'être un groupe de swing. Je ne suis pas un gars des années 40. C'est pourquoi nous jouons du ska et utilisons des guitares lourdes", [56] notant ailleurs "Je ne peux pas nous hors du classement rétro, mais nous insistons sur le fait que nous sommes de la musique contemporaine". [17] Ainsi, les papas ont évité les tournées avec des groupes de swing, en choisissant le groupe de rock latin Ozomatli et le groupe de ska/soul The Pietasters comme support de leur première tournée américaine en tête d'affiche, et en ouvrant pour le groupe de rock argentin Los Fabulosos Cadillacs lors de leur tournée nord-américaine de 1998. [48] ​​[57] À un moment donné, les papas ont tenté d'organiser une tournée avec Primus qui ne s'est jamais matérialisée [55] a déclaré Perry, "Je sais qu'il y a des gens qui viennent à nos spectacles qui n'aimerais rien de plus que nous jouions swing 24/7 . Il y a beaucoup de groupes qui veulent être des groupes de swing et des groupes de swing seulement. Nous essayons de trouver le public qui nous laissera écrire des chansons et être simplement qui nous sommes ". [58]

—Steve Perry, commentant l'esthétique rétro du swing revival, 2016 [59]

Au plus fort de la popularité des Daddies, Perry a découvert que la notoriété du groupe provoquait un effet aliénant sur sa vie personnelle, affirmant qu'elle avait changé négativement ses relations avec ses amis et l'avait même soumis à des chahuts occasionnels de la part d'étrangers qui le reconnaissaient en public. [60] [61] Il se souviendra plus tard : « C'est un cliché total, mais [la célébrité] ne rend pas heureux. Il manque beaucoup de choses. Le succès a donné aux gens le droit de me crier dessus dans la rue, mais je ne Je n'ai pas vraiment l'impression que cela m'a donné une quelconque dignité". [62] Se sentant déjà épuisé par les tournées constantes des Daddies, la frustration de Perry n'a été exacerbée que par le rejet persistant des Daddies par les médias comme un acte de nouveauté rétro, bien qu'il ait affirmé plus tard s'être senti obligé de maintenir l'image en raison du public et des médias. attentes. [58] [61] [63] Lorsque le groupe a commencé à faire face à des critiques et à des accusations de vente de leur base de fans du Nord-Ouest, [64] [65] les papas se sont battus pour s'éloigner davantage de leur typographie traditionnelle : dans une interview de 1999, répondant à leur place dans la scène swing, Perry a rétorqué "[nous] jouerons sans vergogne au ska face aux gens qui veulent entendre du swing". [66]

Zoot Suit Émeute s'était vendu à plus de deux millions d'exemplaires aux États-Unis au moment où la popularité de la reprise du swing avait décliné, glissant finalement hors des charts en janvier 2000. albums studios.

Chariot d'âme et déclin généralisé (2000) Modifier

À l'automne 1999, les Daddies retournent en studio pour enregistrer leur quatrième album, Chariot d'âme. Un album concept lâche reflétant la désillusion de Perry sur l'air du temps culturel et son expérience avec la célébrité (comme il l'a décrit, un disque « doux-amer » sur « être aliéné et espérer se connecter » [61] ), Chariot d'âme a marqué une continuation du format musicalement varié du groupe, destiné à introduire une perspective plus vraie du son et de la personnalité des Daddies à la fois à leurs fans de swing et à un public plus large. [63] [67] [68] Puisant dans le rock et la pop des années 1960 et 1970, Chariot d'âme entremêlent swing et ska avec glam rock, soul, pop psychédélique, folk et funk. [62] [69] [70]

Bien qu'il ait permis aux papas le contrôle créatif de sa production, la réponse de Mojo à Chariot d'âme était au mieux considéré comme tiède. [69] Affirmant que le nouveau matériel n'était pas comme « les Cherry Poppin' Daddies que les gens connaissent et aiment », le label n'a pas fait grand-chose pour promouvoir ni l'album ni son single de style glam « Diamond Light Boogie », à un moment donné en libérant ce dernier sans le nom du groupe, prétendument en raison de l'hésitation à commercialiser un single rock d'un groupe principalement connu pour la musique swing. [71] [72] Avec pratiquement aucune publicité derrière, Chariot d'âme a été discrètement libéré en octobre 2000. Rencontré par un public largement ignorant du passé éclectique des Daddies, Chariot d'âme a été reçu négativement par les fans et les critiques, l'une des critiques les plus répandues étant son manque de pistes swing. [73] Certains critiques ont réprimandé le groupe pour ce qui était considéré comme un abandon de leurs "racines" swing en faveur d'un son plus tendance, [74] tandis que quelques-uns ont critiqué toute l'esthétique musicale des papas - UGO's Hanche en ligne a déclaré sans ambages, "couvrir cinq ou six genres sur un album est tout simplement insensé". [75] Le Nouvelles quotidiennes de Los Angeles mis Chariot d'âme sur leur liste des 10 pires albums de 2000, le chroniqueur se demande ce qui fait qu'un groupe de swing "pense qu'il pourrait s'en tirer avec un album de pop psychédélique recyclée". [76]

Malgré quelques éloges critiques modérés, y compris une critique élogieuse d'AllMusic, qui a qualifié la gamme de sons "impressionnante surprenante" de l'album de "rafraîchissant venant d'un groupe qui était supposé être un swing rétro générique", [77] Chariot d'âme n'a pas réussi à atteindre le succès des charts ou l'attention commerciale de son prédécesseur. La tournée nationale d'accompagnement des Daddies s'est tout aussi mal passée, montrant une baisse marquée de la fréquentation tandis que le public a réagi défavorablement à la diminution de l'intérêt du groupe pour la musique swing. [65] S'exprimant rétrospectivement dans une interview de 2002, Perry a rappelé « nous sommes partis en tournée et la plupart des gens nous ont vus comme un groupe de swing en raison du succès de Zoot Suit Émeute. nous sentions que cette tension était quelque chose que nous n'étions pas". Décembre 2000. [65] "C'était en grande partie de la fatigue", a expliqué Perry, "Nous serions sur la route pendant longtemps et nous n'avions pas de vie en dehors de Cherry Poppin' Daddies. Je pense que tout le monde était intéressé à faire d'autres choses". [78] Les papas ont été libérés de Mojo peu de temps après, bien que le guitariste Jason Moss dise Chariot d'âme de mauvaises performances commerciales. [79]

Hiatus et tournées limitées (2001-2006) Modifier

Avec près d'une décennie d'activité de groupe à temps plein au repos, les papas se sont séparés pour poursuivre d'autres efforts musicaux, restant actifs dans divers groupes locaux. Plus particulièrement, Perry et Moss ont commencé le groupe théâtral glam punk White Hot Odyssey, en sortant un album sur Jive Records en 2004 avant de se séparer l'année suivante, tandis que Schmid et le claviériste Dustin Lanker ont formé le trio de piano rock The Visible Men, enregistrant deux albums studio et de nombreuses tournées jusqu'à leur propre dissolution en 2007. À cette époque, Schmid a également tourné en tant que bassiste pour le groupe de chanteurs des Pixies, Black Francis, enregistrant sur son album de 2007 Doigt bleu ainsi que l'enregistrement sur l'album éponyme produit par Pete Yorn Francis en 2010. Lanker a ensuite rejoint le groupe de ska punk californien Mad Caddies en tant que membre de tournée, devenant finalement un membre permanent en 2013. Le batteur Tim Donahue, après un passage avec The Visible Men, a travaillé comme musicien de session, enregistrant sur des albums d'artistes tels que TobyMac et Shawn McDonald et jouant dans le groupe d'Yngwie Malmsteen pour sa tournée européenne de 2001. [80] [81]

Au cours des années suivantes, toutes les activités de Daddies ont été suspendues lorsque les membres sont retournés à leur vie de famille et à leur travail à temps plein, tandis que Perry a choisi de reprendre ses études à l'Université de l'Oregon, obtenant son diplôme en 2004 avec un B.S. en biologie moléculaire. [71] En février 2002, après plus d'un an sans jouer, les papas ont mis fin à leur pause en étant en tête d'affiche au Festival at Sandpoint à Sandpoint, Idaho, qui a été suivi d'une série d'apparitions sporadiques dans divers festivals de musique à travers le Nord-Ouest. [65] Malgré la résurgence soudaine de l'activité, le groupe n'a résolument annoncé aucun plan futur pour l'enregistrement de nouveau matériel ou la réalisation de tournées étendues. [65] Favorisant un changement de rythme par rapport à leurs anciennes habitudes de tournées intensives, les Daddies ont commencé à programmer leurs performances entièrement autour du désir et de la disponibilité personnelle des membres du groupe, jouant aussi peu que huit à dix spectacles par an et limitant leurs apparitions en grande partie aux spectacles du Nord-Ouest. ou des commandes pour des concerts ponctuels de « swingin' hits » dans divers festivals et lieux à travers les États-Unis. [65] [82]

Susquehanna et retour au label indépendant (2006-2009) Modifier

Après quatre années d'inactivité relative alors que le groupe maintenait son rythme de tournée détendu, Perry a commencé à écrire du matériel pour un nouvel album de Daddies au début de 2006, affirmant avoir pris conscience d'une dépendance cathartique à l'écriture de chansons. [83] Dans une interview à la radio d'avril 2006, il a confirmé que le groupe se préparait à enregistrer un nouvel album studio, en notant que la musique couvrirait un nouveau territoire pour les papas, en s'appuyant fortement sur des éléments tropicaux. [84] Tout au long de l'automne 2006, le groupe a effectué plusieurs petites tournées à travers les États-Unis, où une grande partie de ce nouveau matériel a fait ses débuts.

Autoproduit et enregistré à Eugene durant l'été 2007, le cinquième album des Daddies, Susquehanna, est sorti en téléchargement numérique exclusivement sur le site Web du groupe en février 2008, recevant une version CD limitée quelques mois plus tard. Prenant la forme d'un album concept narratif que Perry a détaillé comme un portrait de "diverses relations en décomposition", Susquehanna a présenté des souches importantes de musique d'influence latine et caribéenne, incorporant des fioritures de flamenco, de rock latin et de reggae dans le tarif traditionnel du groupe, le swing et le ska. [85] [86] Alors que sa sortie de bricolage discrète est passée la plupart du temps inaperçue des médias grand public, la réponse des publications sur Internet a varié de mitigée à positive, les critiques se polarisant une fois de plus sur le mélange éclectique de genres de l'album. [87] [88] Les papas se sont lancés dans une autre tournée complète à l'appui de Susquehanna à la mi-2008, suivie d'une tournée en tête d'affiche de l'Europe, leur première visite sur le continent depuis 1998. [89]

En juillet 2009, les Daddies ont annoncé avoir signé avec le label indépendant Rock Ridge Music pour la sortie et la distribution nationale de deux albums, une réédition de Susquehanna et Skaboy JFK : Les tubes Skankin' des Cherry Poppin' Daddies, une compilation du matériel ska du groupe tiré de leurs cinq premiers albums. [90] Perry a expliqué que les fans avaient suggéré le concept d'une collection de ska pendant des années et qu'un tel album pourrait aider à montrer un côté différent des papas que le personnage de "groupe de swing" pour lequel ils sont généralement reconnus. [89] Skaboy JFK est sorti en septembre 2009 avec un accueil critique largement positif, suivi d'une nouvelle tournée en 2010, ramenant les Daddies à travers l'Europe et les États-Unis, et apparaissant aux côtés de Fishbone et The Black Seeds au 11e Victoria Ska Fest en Colombie-Britannique, où le groupe a joué le premier set all-ska de sa carrière. [91]

Dents Blanches, Pensées Noires (2010-2013) Modifier

Peu de temps après la sortie de Skaboy JFK, Perry a déjà commencé à annoncer des plans pour le prochain album studio des Daddies, révélant que le groupe reviendrait à la musique swing pour leur premier album entièrement swing depuis Zoot Suit Émeute. [92] [93] Production initiale sur l'album, intitulé Dents Blanches, Pensées Noires, a commencé en mars 2011, mais a duré peu fréquemment tout au long de l'année alors que les papas ont continué à effectuer plusieurs tournées internationales plus réussies, y compris deux tournées séparées à guichets fermés en Australie en 2011 et 2012. [94] [95] Pendant ce temps, le Le groupe a connu des changements majeurs au sein de sa programmation de tournée après que le claviériste de longue date Dustin Lanker a quitté le groupe en 2012, incitant les Daddies à décider de continuer à tourner sans claviériste en direct. Plusieurs mois plus tard, le tromboniste Joe Freuen a été ajouté au groupe, marquant la première fois que les Daddies incluaient un joueur de trombone à plein temps dans leur formation officielle.

À la mi-2012, Perry a finalement élaboré sur le statut de production du nouvel album, révélant que le groupe avait écrit suffisamment de matériel pour sortir Dents Blanches, Pensées Noires comme un double album, composé de l'album principal tout swing et d'un disque bonus de chansons rock influencées par "Americana" dans des styles tels que rockabilly, country, bluegrass et western swing, ce dernier disque présentant des apparitions de l'accordéoniste Buckwheat Zydeco sur un zydeco chanson et l'ancien guitariste de Captain Beefheart Zoot Horn Rollo sur une piste psychobilly. [96] [97] Le 20 juin 2012, les papas ont lancé une campagne PledgeMusic pour aider à financer les étapes finales de la production de l'album, atteignant avec succès son objectif le 14 août et continuant à recueillir des promesses de dons l'année suivante, recueillant finalement 133% de son objectif. [97] [98]

Précédé par la sortie de deux singles et clips pour les chansons "I Love American Music" et "The Babooch", Dents Blanches, Pensées Noires est sorti indépendamment sur Space Age Bachelor Pad Records le 16 juillet 2013. Après la sortie et la promotion de DIY discrets de Susquehanna et Skaboy JFK, les papas ont travaillé pour faire largement connaître Dents Blanches, Pensées Noires, bénéficiant d'une couverture par les principaux organes d'information, y compris Panneau d'affichage et États-Unis aujourd'hui, tandis que le groupe est apparu plus tard dans le programme KTTV appartenant à Fox Bonne journée L.A. pour interpréter "I Love American Music", leur première apparition télévisée majeure depuis les années 1990. [99] [100] [101] Bien qu'il n'ait connu aucun succès dans les charts, l'album a reçu des critiques critiques généralement positives et les papas ont effectué une brève tournée de quinze villes des États-Unis pendant l'été. [102]

En janvier 2014, il a été annoncé que le Ballet Eugène avait collaboré avec les Daddies pour une production intitulée Zoot Suit Émeute, un spectacle de danse sur la musique et avec un accompagnement en direct du groupe, avec des routines de danse chorégraphiées sur treize des chansons des papas, allant de leurs plus grands succès swing à leurs chansons rock, pop et psychédéliques moins connues. Zoot Suit Émeute joué au Eugene's Hult Center for the Performing Arts les 12 et 13 avril 2014. [103]

Albums de couverture et Zoot Suit Riot : édition 20e anniversaire (2014-2018) Modifier

Pendant la période initiale d'écriture et d'enregistrement de Dents Blanches, Pensées Noires, les papas ont commencé à jouer des spectacles sélectionnés sous le nom de "The Cherry Poppin' Daddies Salute the Music of the Rat Pack", jouant un mélange égal des propres chansons swing du groupe ainsi que des reprises de chansons popularisées par le "Rat Pack" de Frank Sinatra , Dean Martin et Sammy Davis, Jr. [104] Dans une interview de juillet 2013 avec Panneau d'affichage magazine, Perry a révélé que le groupe avait simultanément enregistré un album hommage contenant ces chansons et le sortirait après une tournée derrière Dents Blanches, Pensées Noires. [99] S'il vous plaît, retournez la soirée - les papas Cherry Poppin' saluent la musique de la meute de rats ! est sorti le 29 juillet 2014, promu par des clips pour les couvertures de l'album des incontournables de Sinatra « Come Fly with Me » et « Fly Me to the Moon ». [105] [106]

En décembre suivant, Perry a exprimé son intention sur la page Facebook officielle des Daddies d'explorer davantage les influences swing et jazz du groupe avec un autre album de reprises, cette fois centré sur le jazz chaud de l'ère du Cotton Club des années 1920 et 1930. [107] Production sur ce qui aurait éventuellement droit Le Boop-A-Doo a commencé au printemps 2015 à Eugene, utilisant des techniques d'enregistrement vintage ainsi que l'utilisation d'instruments d'avant les années 1940 pour obtenir un son authentique de l'ère du jazz. [108] [109] Le Boop-A-Doo est sorti le 22 janvier 2016, promu par un clip pour la chanson de 1930 d'Eubie Blake/Andy Razaf "That Lindy Hop", réalisé par Perry. [110]

Au départ, les papas ont annoncé que Merci de revenir le soir et Le Boop-A-Doo comprendrait deux parties d'une trilogie planifiée d'albums de reprises conçus pour mettre en valeur les influences swing et jazz du groupe. [111] Bien que Perry ait révélé dans une interview de novembre 2016 que le troisième volume de reprises des Daddies se concentrerait soit sur le swing occidental, soit sur un bebop de style Babs Gonzales / "beatnik", en mars 2019, il n'y avait pas eu d'autres mises à jour sur le statut de cet album. [112]

Pendant cette période, Perry s'occupait également de remixer et de remasteriser les Daddies' Zoot Suit Émeute compilation, ayant récupéré les droits de Jive Records en 2014. S'exprimant sur le projet, il a déploré que la production de Zoot Suit Émeute avait été précipité et que seules les premières prises avaient été utilisées, notant qu'il aurait pu y avoir "2 ou 3 autres" prises des chansons "si nous avions connu l'avenir en 1996", notant "après 25 ans [du groupe] , j'aimerais que le disque sonne un peu mieux". [113] [114] [115] Zoot Suit Riot : l'édition 20e anniversaire est sorti sur CD et vinyle le 13 janvier 2017, avec cinq morceaux bonus live enregistrés lors des tournées du groupe en 1998. En promotion de la réédition de l'album, les papas ont joué certaines dates dans tout le pays, interprétant l'album dans son intégralité.

Plus grande vie (2019-présent) Modifier

Alors que les papas ont consacré la majeure partie des années 2010 à jouer et à enregistrer de la musique swing et jazz, Perry a révélé pour la première fois dans une interview en 2014 avec Le Huffington Post qu'il avait commencé à écrire de nouvelles chansons non swing pour le prochain album original de Daddies, décrivant ses ambitions de faire un "psychobilly/Zappa/idiot americain/R. Disque de type miette qui brosse un tableau de la scène sociopolitique américaine", soulignant son désir d'expérimenter le rockabilly et le rock roots. [106] Au cours des quatre années suivantes, Perry a donné des mises à jour sporadiques sur Twitter et dans des interviews sur le développement de ce nouveau album d'originaux, le décrivant en 2016 comme « un peu comme Férocement lapidé 2", mettant principalement l'accent sur le rock et le funk, puis plus tard en 2017 sous le nom de "swing-ska-rockabilly-psychobilly". [116] [117] La ​​production de l'album a commencé à la fin de 2017, et le 8 mai 2018, Perry a annoncé sur Twitter que le processus de mélange avait commencé sur le produit fini, désormais intitulé Plus grande vie. [118]

Le 12 mars 2019, les Daddies ont créé le premier single et le premier clip de Plus grande vie sur leur chaîne YouTube, une chanson ska punk intitulée "Gym Rat", suivie plus tard de deux singles supplémentaires et de clips vidéo pour les chansons "Diesel PunX", une chanson de style rockabilly influencée par le sous-genre de science-fiction du dieselpunk, et le "Yankee Pride" influencé par le punk celtique/folk punk. Plus grande vie est sorti sur CD et vinyle le 14 juin, qui a été célébré avec un spectacle au W.O.W. Hall le même jour, où les Daddies ont lancé un nouveau spectacle sur scène axé exclusivement sur le répertoire de chansons ska et ska-punk du groupe, un ensemble qu'ils ont continué à se produire lors de certains spectacles et festivals, dont le Victoria Ska Fest 2019. Les papas devaient se produire dans le cadre du Supernova International Ska Festival situé en Virginie en juin 2020, bien que le festival ait finalement été annulé en raison de la pandémie de COVID-19.

Le 31 janvier 2020, les Daddies ont sorti le single "Faux Nice, Mock Fancy", une chanson de style glam rock enregistrée pendant le Plus grande vie séances. Dans un article sur Facebook annonçant le single, Perry a expliqué qu'il prévoyait de sortir diverses chansons inédites en tant que singles tout au long de l'année alors qu'il commençait à travailler sur de nouveaux morceaux. [119] Cela a commencé avec la sortie du single et de la vidéo de "Platform Shoes", une autre chanson de style glam rock de l'édition de luxe de Dents Blanches, Pensées Noires, à la mi-mars et une reprise du hit "Switchin' to Glide" du groupe de rock canadien The Kings en 1980 à la mi-mai.

Les Daddies sont généralement classés comme un groupe de swing et/ou de ska par les médias, et leur musique est en grande partie composée de diverses interprétations des deux genres, allant du jazz traditionnel et des formes influencées par le big band aux fusions rock et punk modernisées. Au cours de leur percée commerciale dans les années 1990, les critiques ont conçu des termes tels que « punk swing », [120] « power swing » [29] et « big band punk rock » [121] pour décrire l'approche unique des Daddies à ces fusions, mélangeant "la propulsion de rythmes swing et d'éclats de cuivres de lapin avec des guitares de rock rebelle crasseux pour donner au son jumpin' jive un lifting bien nécessaire". [122] L'intérieur du nord-ouest du Pacifique a écrit à propos de ce style en 1994, "au-dessus du swing du jazz du groupe, vous pouvez entendre des souches de Parliament-Funkadelic, des miettes de rhythm and blues de baril, des bribes de ska et d'énormes bouffées de punk rock", assimilant le Les papas de "Cab Calloway-meets-Johnny Rotten, ou le Duke Ellington Orchestra gonflé aux stéroïdes et à la caféine". [7]

Les Daddies eux-mêmes avaient l'habitude de classer avec facétie leur musique comme "swing-core", [123] illustré par les tempos rapides et l'utilisation fréquente de distorsion de guitare dans leur matériel de swing, ainsi que de "troisième vague swing", en raison de leur influence ska importante. . [6] [55] [124] [125] Ces dernières années, cependant, Perry a rejeté les tentatives d'appliquer des étiquettes à la musique des Daddies, les décrivant souvent avec désinvolture en termes plus vagues comme "un groupe de rock avec des cornes" ou "une danse groupe qui utilise un peu le jazz". [22] [126] Perry a comparé le style d'éclectisme musical des Daddies avec celui de Fishbone, Mink DeVille et Oingo Boingo, tout en citant également l'influence majeure de The Specials et de Roxy Music, ainsi que de Fletcher Henderson, Jimmie Lunceford et Duke Ellington sur sa composition et ses arrangements. [8] [33] [127] [128] [129]

Parallèlement aux constantes du swing, du ska et, sur les enregistrements précédents, du funk, chacun des albums studio des Daddies présente un assortiment collectif de genres musicaux variés et souvent diamétralement opposés. Certains des styles musicaux avec lesquels le groupe a expérimenté incluent le blues, [7] country, [8] disco, [130] Dixieland, [58] flamenco, [85] folk, [70] glam rock, [69] punk hardcore, [131] jump blues, [132] lounge, [29] pop psychédélique, [132] rhythm and blues, [69] reggae, [85] rockabilly, [71] soca, [87] soul, [69] western swing [ 133] et zydeco. [134] Par opposition aux fusions jouant, les papas exécutent chaque genre séparément, contrastant un style contre un autre de sorte que la texture musicale de l'album change continuellement. [135] Perry a expliqué que le « détournement » du groupe d'utiliser des genres très différents est à la fois un moyen d'expérimentation et d'évolution du groupe au-delà de leurs spectacles live typiquement swing et ska, ainsi qu'un choix artistique, conférant à chaque chanson une musique distinctive. personnalité et en utilisant certains genres pour s'adapter efficacement - ou ironiquement contredire - le ton des paroles. [10] [61] [136] [137]

Lyrique Modifier

Steve Perry est le seul parolier des Daddies et écrit la majorité de ses chansons dans un format narratif fictif qu'il attribue comme étant influencé par Randy Newman, Ray Davies et Jarvis Cocker, souvent raconté à propos ou à travers la perspective peu fiable de personnages opprimés luttant contre l'adversité . [1] [7] [17] [138] Les thèmes récurrents dans les paroles des papas incluent le sexe, la mort, la vie de classe ouvrière, la conscience de classe, l'alcoolisme, le dysfonctionnement familial, la solitude et l'aliénation sociale, en utilisant fréquemment l'humour et la satire. [17] [19] [38] Perry incorpore souvent des commentaires sur la politique américaine contemporaine dans sa musique, comme aborder les questions relatives à la crise financière de 2007-2008 sur 2013 Dents Blanches, Pensées Noires et explorer les thèmes de la race et de la classe pendant l'administration de Donald Trump en 2019 Plus grande vie. [100] [139] [140] Le garde-registre a décrit les paroles de Perry comme « ribaudes [et] souvent désespérées », « [sondant] le ventre de la société, poignardant les oppresseurs tels que . la pression pour se conformer », [2] tandis que Le New York Times les a salués comme une « poésie vivante » contenant « une inventivité absente de la plupart des paroles des autres groupes de swing ». [141]

Les papas ont souvent été critiqués pour leur apparente juxtaposition de sujets sordides et de blasphèmes avec le jazz et la musique swing, [142] [143] bien que Perry ait défendu la prédilection du groupe pour un lyrisme et des visuels « plus sombres », attirant l'attention sur son intérêt pour le le film noir de l'époque et les mouvements artistiques d'avant-garde. [144] Un exemple frappant de cela comprend les deux clips vidéo du single à succès des papas "Zoot Suit Riot", qui - en plus d'être écrits sur les émeutes raciales de 1943 - présentaient tous deux des images surréalistes omniprésentes inspirées des films de Luis Buñuel , en particulier son court métrage de 1929 Un chien andalou. [144] [145] "Nous voulions être plus sombres, plus étranges et plus étrangers", a déclaré Perry dans une interview en 2012, "et malheureusement, avec d'autres groupes [swing], c'était" À l'époque, tout le monde s'habillait bien et était gentil ". vrai. Vous ne savez rien du tout de cette époque". [144]

La plupart des albums studio des Daddies sont écrits à des degrés divers sous forme d'albums conceptuels, présentant soit des thèmes lyriques récurrents, soit un récit abstrait. Selon Perry, cette interconnexion lyrique est destinée à fournir un album avec des fils de stabilité thématique contre des styles musicaux extrêmement variés. [10] [146]

Dans leur Oregon natal, les papas ont été appelés "une institution du Nord-Ouest", [147] ayant été intronisé au Temple de la renommée de la musique de l'Oregon en 2009. [148] Le garde-registre a crédité le groupe d'avoir façonné la culture musicale alternative d'Eugene dans les années 1990, tandis que Eugène Hebdomadaire a ajouté de même, "quand certaines personnes pensent à la scène musicale du Nord-Ouest, elles pensent au grunge. Si vous êtes un eugénien, cependant, vous pourriez penser au swing, grâce à [the] Cherry Poppin' Daddies". [149] [150] Seattle La fusée a commenté l'influence du groupe en 1997, déclarant que « [l]es papas faisaient du swing avant les Squirrel Nut Zippers, remuaient des cocktails avant Combustible Edison et patinaient le ska avant Sublime. Le groupe secoue une incroyable variété de sons avec une verve incomparable et polir." [1]

Parallèlement aux controverses entourant les premières années de leur carrière, le groupe a également attiré pas mal de critiques professionnelles dans leur pays d'origine. Le mercure de Portland ont été de fréquents détracteurs des Daddies, les ridiculisant comme "au mieux, un recyclage sans limite d'un mouvement de mode musical assez particulier au pire, une parodie consciente du genre qu'ils prétendent aimer", [151] tandis que le Semaine Willamette, dans un article détaillant la réception polarisante du groupe, a décrit le consensus négatif des Daddies comme « un groupe de rock funk de garçons blancs ennuyeux qui, voyant l'opportunité, a traité le renouveau du swing pour tout ce qu'il valait ». [147] Le critique de jazz et auteur Scott Yanow a critiqué avec véhémence le groupe comme le « garçon fouetté pour le mouvement Retro Swing » dans son livre de 2000 Balançoire!, les considérant comme "un groupe de punk rock qui a choisi de se faire passer pour du Swing, au moins jusqu'à ce qu'une meilleure mode arrive", mettant en lumière la section rythmique "médiocre" et le lyrisme profane des Daddies comme argument pour en faire "un groupe à éviter". [142]

Les Daddies sont plus largement reconnus, cependant, comme l'un des premiers groupes à faire revivre la musique swing dans le courant musical dominant, aidant à diriger le renouveau du swing de la fin des années 1990 qui a ouvert la voie aux plus grands succès de Big Bad Voodoo Daddy et du Brian Setzer. Orchestre. [3] [48] Bien que les Daddies aient été cités comme une influence sur les groupes de ska punk, les Mad Caddies et Spring Heeled Jack U.S.A., [152] [153] SF Hebdomadaire une fois affirmé que le groupe n'avait "jamais obtenu les éloges qu'il méritait" pour son répertoire éclectique de funk-ska. [38] Le Phénix Nouveaux Temps a exprimé des sentiments similaires, énumérant les papas "terriblement méconnus" parmi les groupes qui ont défini "l'alternative à l'alternative" du Nord-Ouest, "[livrant] du rock avec plus de complexité que les riffs de guitare à trois accords et la critique sociale sans cynisme brutal". [29] [31] Dans une rétrospective de 2008 publiée sur The Capri Lounge de RollingStone.com, un blog dirigé par les éditeurs de Pierre roulante magazine, les Daddies ont été déclarés comme « l'un des groupes les plus incompris des années 90 ». [154]

Nom du groupe Modifier

—Steve Perry, commentant le nom des papas en 1998, Panneau d'affichage [11]

Les papas ont également conservé une reconnaissance plus ignominieuse pour leur nom de groupe hors de couleur qui a persisté au-delà des controverses initiales qui ont marqué les premières années du groupe. Les papas apparaissent fréquemment sur les listes des pires noms de groupes de tous les temps, y compris ceux de Fourche, les Poste du renseignement de Seattle, les Soleil de Toronto, et VH1, dont le dernier l'appelait "probablement le nom de groupe le plus offensant de tous les temps, rendu d'autant plus ridicule par le fait que ces putains de sexe vierge se vantant extérieurement avaient une chanson à succès grand public complètement anodine". [155] [156] [157] [158] Un numéro de 2009 de Mixeur magazine a placé les Daddies à la troisième place dans un classement des pires noms de groupes, tandis qu'en 2013, Pierre roulante a inclus les papas sur leur liste des "Treize noms de groupes les plus stupides de l'histoire du rock", notant que l'interprétation incestueuse du nom est "la dernière chose que quelqu'un veut visualiser en écoutant de la musique". [159] [160]

Steve Perry a exprimé son ambivalence à propos de la controverse du nom, concédant que c'est « probablement le nom le plus odieux de l'histoire du rock » [45] tout en essayant de le contextualiser dans les racines du groupe dans la scène punk rock du nord-ouest des années 1980 : dans une interview de 2020, il a expliqué "il est beaucoup plus difficile de comprendre le nom maintenant que la mentalité contre-culturelle s'est estompée, mais à cette époque, l'idée était de choisir un nom de groupe qui attirerait d'autres enfants punk rock et garderait les autres à distance". [161] Dans une interview en 2000, il a détaillé le contraste entre le nom des papas et leur percée inattendue dans le grand public culturel, en disant que « la culture pop n'essaie d'offenser personne. Nous ne sommes pas sortis de là d'où nous venons l'opposition loyale. Nous sommes sortis du mouvement punk. Comment puis-je le nier ? J'ai commencé ce groupe il y a longtemps, et nous avons juste utilisé [le nom]. Nous ne savions pas que dans 10 ans nous deviendrions une sorte de choses joyeuses, pleines d'entrain et de bien-être." [45]

Bien que Perry ait parfois regretté de ne pas avoir changé le nom des papas au début de leur carrière, il est récemment venu à embrasser la controverse autour du nom comme son « chapeau de chasse rouge Holden Caulfield – un insigne d'honneur », rejetant les critiques qui choisissent diaboliser le nom sur la base d'une interprétation littérale que l'argot jive de l'ère du jazz dont il s'inspire en tant que « addicts à l'indignation ». [33] [162] [136]


POINTS NORTH : mots de choix d'un groupe instrumental

Points North (Kevin Aiello – Batterie, Eric Barnett – Guitare et Uriah Duffy – Basse) ont sorti leur deuxième CD avec des critiques élogieuses (dont une ici sur Indie Pulse). Je les décris comme Rush rencontre Yes avec Trevor Rabin rencontre The Police. Quelque chose comme du Prog-Rock mélodique. Peu importe ce que vous appelez ça, je l'appelle fantastique….. encore plus quand c'est LIVE !

J'ai récemment eu l'opportunité d'interviewer les 2/3 du groupe. Je pense que vous le trouverez intéressant à lire.

Indie Pulse : La formation actuelle existe depuis environ 5 ans, n'est-ce pas ? Comment vous êtes-vous réunis tous les trois ?

Points North (Eric) : Kevin et moi nous sommes rencontrés en ligne, nous sommes une success story de « craigslist ». J'avais déménagé dans la région de la baie depuis la côte est et je cherchais quelque chose à faire. Kevin avait posté une annonce en ligne à la recherche de musiciens pour faire de la musique instrumentale, dans la veine de Steve Morse Band, Dixie Dregs, etc., et j'ai pensé ça avait l'air intéressant. En fait, j'ai raté l'annonce - au moment où je suis allé répondre, elle avait expiré ! Alors j'ai écrit ma propre annonce, à la recherche de la personne qui avait écrit cette annonce, et il m'a trouvé.

Le bassiste original de Points North était Damien Sisson, et Kevin l'avait déjà trouvé au moment où nous nous sommes connectés, et nous sommes allés seuls et avons enregistré un disque, qui est devenu "Road Less Traveled". Mais juste au moment où Magna Carta Records nous a proposé un contrat d'enregistrement, Damien a également reçu une offre pour rejoindre les légendes du thrash de la Bay Area, Death Angel. Death Angel a ensuite entrepris ce qui équivalait en réalité à une tournée mondiale non-stop de trois ans. Donc pendant un moment, Damien était toujours dans le groupe, mais nous avons fait un certain nombre de concerts avec des bassistes « de remplacement ». J'avais rencontré Uriah par l'intermédiaire d'un ami commun et guitariste tueur, Danny Jones, et il a été notre premier appel. la magie. (Quand Uriah n'était pas disponible, notre autre "remplaçant" était Stu Hamm, de la renommée de Joe Satriani, toutes les rock stars de Points North sont les bassistes !)

Finalement, il est devenu clair que les exigences de Death Angel n'allaient pas laisser beaucoup de temps à Damien pour être à Points North, et nous nous sommes séparés de lui et avons demandé à Uriah de rejoindre le groupe à plein temps. À ma joie délirante absolue, il a accepté que nous ayons fini par réenregistrer les parties de basse du clip de "High Wire", le clip "single" du premier disque "Road Less Traveled", et nous avons été ensemble en tant que groupe depuis, y compris l'écriture, l'enregistrement et la sortie de notre deuxième album éponyme de Magna Carta en 2015.

IP : Pourquoi des instrumentaux ? Est-ce littéralement un cas de « laisser la musique parler » ?

PN (Kevin) : C'était vraiment mon idée. J'ai longtemps joué dans des groupes de reprises et je voulais faire quelque chose de différent. J'ai toujours été un grand fan de musique instrumentale, en particulier les solos de Dixie Dregs et Ronnie Montrose que je voulais trouver des joueurs qui me botteraient le cul….hmmmm, fais attention à ce que tu veux, parce que j'ai compris !

IP : Comment les chansons de Points North s'assemblent-elles ? Est-ce un jam ou quelqu'un arrive-t-il avec une démo complète ou quelque chose entre les deux ?

PN (Kevin) : Un peu de chacun, mais surtout du brouillage. Habituellement, Eric ou Uriah arrivent avec une idée de riff et nous allons le brouiller un peu et voir où il va. Parfois l'air s'écrit tout seul, d'autres fois il se trouve juste là. Nous avons environ 5 nouvelles idées qui fonctionnent pour le moment mais rien de complet.

IP : Comment trouvez-vous les titres ? Pourquoi je demande ça ? Deux mots….Killer Pounder !

PN ( Eric) : C'est l'une des parties les plus difficiles… parfois une chanson est accompagnée d'un titre, mais parfois c'est difficile d'en trouver un. Souvent, nous avons des titres « fonctionnels », ou que nous trouvons drôles. Killer Pounder en était un exemple... c'était le "titre provisoire", ça nous a fait craquer, je pense que Kevin aurait pu l'inventer... et dans ce cas, il est resté.Mais "Ignition" s'appelait "Lobotomie", en "honneur" de l'état dans lequel se trouvait Uriah lorsqu'il s'est présenté pour répéter avec le riff d'ouverture après une soirée particulièrement rock-star.

IP : Utilisez-vous des techniques "non conventionnelles" en studio ?

PN ( Eric) : Eh bien, il y a cette chanson, « Rocket Queen », et il y avait cette fille dans le studio… je plaisante. Je pense que nous sommes relativement traditionnels, en ce qui concerne la façon dont nous procédons à l'enregistrement. Nous essayons d'enregistrer nos « pistes de base » en direct, pour obtenir le même genre de sensation et d'énergie que nous avons dans nos spectacles en direct, par opposition à tout suivre séparément sur une « grille », ce qui est assez courant de nos jours. Et nous essayons de limiter la quantité de « supercheries de studio » au profit de performances que nous aimons beaucoup. Mais nous n'hésitons pas à utiliser du matériel et des techniques d'enregistrement modernes.

IP : Il y a une piste vocale sur votre dernière version, Points North, appelée Colorblind. Y a-t-il d'autres pistes vocales dans votre futur ?

PN (Eric) : Difficile à dire. "Colorblind" était la dernière chanson que nous avons faite sur le nouvel album, et elle venait d'une demande de notre label d'essayer de créer quelque chose avec un "élément vocal". Ce que nous avons fini avec était plus proche d'une chanson plus traditionnelle, même si environ 75% instrumentale. Personnellement, je souhaite que nous ayons eu un peu plus de temps avec lui, il a été essentiellement écrit et enregistré pendant un week-end, mais je pense que nous en sommes fiers, pour ce que c'est. Nous verrons, lorsque nous écrirons le prochain album, ce que nous ressentons à l'idée d'essayer à nouveau quelque chose comme ça.

IP : L'alchimie entre vous trois sur scène et votre passion pour la musique font de vos concerts un événement à ne pas manquer. Si je devais être en studio avec vous pendant l'enregistrement, quel genre de "chimie" pourrais-je y voir ?

PN(Kevin) : Certains jours, nous parcourons simplement les morceaux. Certains jours, nous jamons sur de nouvelles idées. . Certains jours, nous jouons « stump the band » en essayant de jouer des morceaux de Rush que nous ne connaissons pas ! Quand il y a des gens assis dans une répétition, cette répétition a tendance à devenir une performance si vous voyez ce que je veux dire.

PN (Eric) : Je pense que c'est à peu près la même chose, quand nous jouons tous ensemble. Quand Uriah et moi faisons des overdubs, c'est un peu différent… pour parler juste pour moi, j'ai tendance à me rendre un peu fou, moi et les ingénieurs, à la recherche de la prise parfaite, pour que ça sonne comme ce que j'entends dans ma tête. Mais pour la plupart, nous passons aussi un bon moment en studio, et nous espérons que cela se verra sur le disque.

IP : Je sais que vos chansons sont vos "enfants" mais avez-vous une chanson sur le nouveau CD qui est votre préférée ? Pourquoi?

PN(Eric) : Ça a changé, pour moi, depuis la sortie du disque. En ce moment, c'est « Rites of Passage », mais il y en a plusieurs sur le nouvel album dont je suis vraiment fier.

PN (Kevin) : Tout d'abord, je dois dire que j'aime jouer tous les morceaux du nouveau CD, en particulier Ignition et Turning Point. Mon morceau préféré à jouer est Rites Of Passage. Je suis vraiment plus un batteur de groove dans l'âme et Rites est essentiellement en 5/4 avec les sections de chorus en 6/4. J'adore jouer cette sensation à la mi-temps en 5/4. C'est un défi parce que le rôle d'Uriah est très difficile à jouer pour lui, tout comme celui d'Eric, donc je me concentre sur le fait de garder cette mi-temps agréable et cohérente pour eux. Je ne veux pas qu'ils aient à craindre de perdre la sensation ou leur place.

IP : Quelle est votre plus grande influence musicale et pourquoi ?

PN (Eric) : En tant que groupe, je dois dire que notre influence la plus commune est le groupe de rock progressif Rush, et je sais que cela se voit dans notre musique. Pour moi personnellement, l'autre personne qui influence vraiment mon travail dans Points North est Eric Johnson, qui a été le premier guitariste pour moi à me faire vraiment réfléchir à la façon dont la guitare pourrait être la « voix » du groupe. Il y a tellement d'autres grands guitaristes instrumentaux, et ils étaient tous des influences aussi – Satriani, Vai, Steve Morse, Tony MacAlpine, tant d'autres grands joueurs. Mais pour moi, Eric Johnson était celui qui m'a inspiré à faire des chansons instrumentales, et cette inspiration continue de le faire aujourd'hui.

PN (Kevin) : Les deux gars qui m'influencent probablement le plus sont Aynsley Dunbar du vieux Journey et Rod Morgenstein des Dregs. Dernièrement cependant, j'ai été influencé par Gavin Harrison de Porcupine Tree. Il est pour moi, l'un des batteurs les plus musicaux qui soient. Je mets toujours en pratique certaines de ses idées et concepts.

IP : Quel groupe/artiste la plupart de vos fans seraient-ils surpris de savoir que vous écoutez ?

PN (Eric): Je suis toujours un fan de radio terrestre… quand je conduis, je tourne toujours le cadran de la radio pour voir ce qui est populaire, actuel, et je suis un fan de bon crochet pop.

PN(Kevin) : Probablement rien ! Je n'écoute pas beaucoup de metal. Tout de l'ancien BOC et mon préféré de tous les temps, Camel et dernièrement j'ai écouté quelques premiers albums solo de Ian Hunter (Mott The Hoople), Porcupine Tree et Rush également.

IP : récemment, vous avez ajouté des claviers à votre émission en direct via Uriah. J'ai aimé l'ajout. Comment ça s'est passé de votre point de vue ?

PN(Eric) : Cela vient du fait de jouer dans « Fred Barchetta », qui est un ensemble hommage à Rush que nous jouons avec l'ajout d'un chanteur. Il y a des clés sur les deux disques, et ce fut vraiment un plaisir que certaines d'entre elles apparaissent dans notre spectacle en direct, cela "remplit vraiment les choses" sur certaines chansons, et Uriah a fait un travail incroyable pour tout assembler.

IP : Debout dans le public, il semble que vous vous éclatiez sur scène. Combien est-ce amusant? J'ai assisté à plusieurs spectacles où vous avez reçu une ovation debout après votre set. À quel point est-ce gratifiant de voir ce genre d'appréciation de la part de votre public ?

PN (Kevin) : Nous aimons tous les trois jouer en live, c'est sûr. Lorsque nous recevons les commentaires du public que nous faisons, cela le rend très spécial. Je peux vous dire que quelle que soit la situation, jouer devant 500 ou 20, on fait toujours de son mieux. Eric & Uriah ont vraiment amélioré leur jeu de présence sur scène, ce qui, je pense, nous distingue un peu. Ils ne se contentent pas de regarder leurs instruments et de jouer. Ils aiment interagir de cette manière "rockstar". Vous ne voyez plus beaucoup de groupes faire ça.

PN(Eric): C'est pourquoi nous faisons cette chose - nous sommes avant tout un groupe live, et ce sont ces réactions et la nature passionnée de notre public qui nous poussent à revenir pour plus, surtout dans un climat d'affaires musical qui est Ce n'est pas très amical avec les groupes et les artistes d'un point de vue financier et professionnel. Alors – merci beaucoup, à tous ceux qui nous ont soutenus, qui nous ont donné ce retour sur scène et en dehors, et merci de nous avoir demandé de faire cette interview !



L'amour entre

Par Margaret Moser, vendredi 24 novembre 2000

"Rock-rock-rock-rock, Conférence Rockrgrl"

Ces paroles réécrites de "Rock 'N' Roll High School" avaient été mon mantra pendant des jours, alors je me dirigeais vers la porte de l'aéroport de Bergstrom et j'entendais une voix crier: "Hé, tu vas à Rockrgrl!" était de la musique à mes oreilles. Oui, j'allais à la Rockrgrl Music Conference à Seattle, tout comme les filles du café-musique de Manor Road Gaby & Mo's qui m'ont salué. C'était bon signe.

La manie des conférences a infecté les entreprises dans les années 90 et a été épidémique dans l'industrie de la musique comme une mauvaise éruption cutanée. La plupart d'entre eux étaient des événements ponctuels ou ponctuels trop spécifiques ou limités au niveau régional pour être couronnés de succès. South by Southwest et CMJ ont été parmi les plus réussis, prenant une longueur d'avance à la fin des années 80 lors de la disparition de la mère de toutes les conférences musicales, le New Music Seminar à New York.

NMS a défini la formule des conférences lors de ses débuts en 1980 : éblouissez-les la nuit avec une gamme variée de musique dans autant de clubs que possible - sur la promesse que les labels seront à la recherche de nouveaux talents - puis éduquez-les le jour à une série de panneaux de salles de conférence d'hôtels qui abordent leur créneau particulier dans l'industrie de la musique. N'oubliez pas le grand sac de cadeaux bien garni pour tous les inscrits.

Depuis, chaque conférence s'est efforcée d'obtenir un large éventail de noms, de genres et de races à la fois dans son menu musical et dans les panélistes de la conférence. Non pas qu'il y ait nécessairement du symbolisme en cours. Ce n'est tout simplement pas la parité d'avoir une femme et un noir sur un panel de quatre ou cinq pour représenter le sexe et la race si ces chiffres ne sont pas reflétés dans l'industrie. La plupart des panels devraient probablement être tous des hommes blancs, tous latinos, ou tout autre chose. Cela refléterait plus précisément la façon dont fonctionne l'industrie et justifierait alors des panels entièrement féminins comme la publicité ou les réservations, où tant de femmes mettent leurs talons hauts dans la porte.

Les panneaux entièrement féminins ont rarement du charme pour moi, et j'en ai fait quelques-uns. Alors que je suis passé par des journaux clandestins, des fanzines et des hebdomadaires alternatifs, la plupart de mes collègues journalistes sont arrivés sur le terrain avec des diplômes universitaires et ont décroché des emplois chez Le New York Times, Semaine d'actualitéset RollingStone.com. Leurs descriptions du sexisme dans l'entreprise m'étaient initialement étrangères. Ils parlent de riot grrrls et de Courtney Love, mais qu'en est-il de Florence Greenburg, Estelle Axton et Barbara Lynn ? Le fait n'était pas qu'il existait une disparité, mais plutôt combien de dialogues restaient inexprimés.

Ensuite, il y a les femmes représentantes A&R, les publicistes et les gestionnaires. Les programmateurs radio, les deejays, les agents, les gérants de clubs, les auteurs-compositeurs, les musiciens, les chanteurs, les techniciens. Les femmes sont représentées dans un nombre étonnant de domaines, mais quel que soit le sujet, les panels entièrement féminins finissent généralement par me sonner comme des séances de chienne dans la salle de bain après le cours de gym.

Plus de tendances

Résidente de Mercer Island à Seattle, rockeuse, journaliste et maman, Carla DeSantis a depuis longtemps remarqué ce manque de dialogue. Oh bien sûr, il y aurait de temps en temps Pierre roulante histoire sur Patti Smith ou une vidéo sensuelle de PJ Harvey sur MTV, mais les écarts ne seront pas comblés par des émissions spéciales VH1 sur "les femmes dans la musique". DeSantis voulait voir un forum imprimé qui n'accuse pas ou ne pointe du doigt, mais parle plutôt avec des musiciens qui étaient des femmes. Alors elle a commencé le Xeroxing et l'agrafage ensemble Rockrgrl magazine.

Six ans plus tard, DeSantis a vu son rêve de bricolage se transformer en une publication lisse et en couleur qui s'en tient à sa philosophie originale de "pas de conseils de beauté ni de voyages de culpabilité", et présente des visages de Yoko Ono à Kathleen Hanna. Elle en a marre que les "femmes dans la musique" soient un sujet, marre des déclarations de "l'année de la femme" et marre de trop peu de panels consacrés aux problèmes et aux besoins propres aux musiciennes. Elle voulait une conférence qui approfondisse le dialogue existant.

Louis Jay Meyers, co-fondateur et ancien directeur de South by Southwest, avait parlé à DeSantis lors du symposium LMNOP de la Nouvelle-Orléans en 1999. Les panels de cette année-là mettaient fortement l'accent sur les femmes dans le rock. Le désir de DeSantis a rencontré le savoir-faire de la conférence de Meyers comme un mariage arrangé, et la première Rockrgrl Music Conference est née.

Avec 550 inscrits au RMC et 250 groupes et artistes jouant au festival de musique, le nombre de participants grimpe à près de 2 000. Assez d'hommes inscrits pour avoir une présence, mais c'est comme aller à Lilith Fair après avoir été à une demi-douzaine de Lollapaloozas.

Le panel d'introduction de jeudi "Tout ce que vous vouliez savoir sur le secteur de la musique mais que vous aviez peur de demander" offre aux lève-tôt une chance de réseauter avant de se rendre dans les vitrines de ce soir-là. Le dîner Women of Valor en l'honneur d'Ann et Nancy Wilson se vend rapidement, laissant quelques habitants de l'extérieur déçus, mais Ann Wilson se produit ce soir-là, tout comme Wanda Jackson, Austin's Slum City et Lisa Tingle, la chanteuse de jazz new-yorkaise Arlee Leonard, et plusieurs dizaines d'autres.

Parle parle

Le discours d'ouverture de Spector vendredi à midi reçoit un tonnerre d'applaudissements malgré le fait que Spector perde souvent sa place dans ses notes, improvisant quelques lignes de chansons et même fondant en larmes à un moment donné. Sa voix graveleuse raconte les histoires souvent racontées d'être manipulée et virtuellement emprisonnée par Spector, ignorée et non créditée pour ses contributions.

"J'ai récemment enregistré une autre chanson", dit-elle. "Ça s'appelle 'Je ne serai jamais ton bébé.'"

Spector donne un bon ton à la conférence, car elle est assez âgée pour avoir quelque chose à dire et assez cool pour vous donner envie d'écouter. Avec le facteur âge comme sujet de panel ("Âgeism: This Topic Is Getting Old"), la sagesse de Spector ouvre la voie à d'autres femmes dont la jeunesse reste encadrée sur le manteau. Gretchen Christopher du groupe pop The Fleetwoods du Pacifique Nord-Ouest parle des rigueurs de la tournée en 1961, lorsque ses demandes dans les coulisses pour un miroir pleine longueur et une prise électrique pour son fer à friser étaient considérées comme excessives.

D'autres panneaux comme « Maman, devons-nous aller en tournée ? » "Stalkers : When Fans Get Too Close" et "Fishnets to Internet: Online Marketing Strategy" ont touché la cible des problèmes importants pour les femmes musiciennes. Home Alive, un groupe d'autodéfense et de sensibilisation formé après le meurtre-viol de Mia Zapata des Gits, propose un "atelier d'autodéfense". En règle générale, tout le monde n'est pas content.

Rebecca Cannon d'Austin (ex-Sincola) a été acceptée à la conférence en tant qu'interprète, mais a refusé l'invitation parce qu'elle devait jouer à Starbucks. Un critique pour Rockrgrl, Cannon se plaint que "c'était comme une gifle au visage - comme jouer à McDonald's ou à Wal-Mart".

Aurait-elle pu se sentir chez elle en jouant dans une autre salle comme l'Experience Music Project, le sanctuaire de plusieurs millions de dollars du co-fondateur de Microsoft Paul Allen pour le rock & roll ? C'est probablement trop cher pour les Jimi Hendrix en herbe du monde, mais il offre des souvenirs inestimables. Mieux encore, Cannon devrait appeler DeSantis et demander à faire un panel l'année prochaine sur le rock des entreprises et des empires.

L'amour est partout

Le panel de composition de chansons propose des observations d'Ann Wilson, d'Eliza Gilkyson, de la modératrice Sue Ennis des Lovemongers et d'une Jill Sobule rafraîchissante, qui souhaite probablement n'avoir jamais enregistré "I Kissed a Girl". Les panneaux sur Lilith Fair et "Skirting the Issue: All About Image" continuent la piste des problèmes spécifiques aux femmes en augmentant les panneaux d'information générale sur les démos, les problèmes d'étiquettes et les ateliers techniques. Même le buzz du panel Woodstock et Groupies (que j'ai modéré) ne peut rivaliser avec l'arrivée imminente de Courtney Love.

"Oui, Courtney", soupire DeSantis. "Non, Courtney."

Assise à un bureau pendant que Love énumère les exigences de son apparence, la tête Rockrgrl tient le téléphone portable loin de son oreille pour un effet dramatique. Vous pouvez toujours entendre le ton aigu de Courtney, même au-dessus de la foule de la conférence. Une fois la conversation terminée, DeSantis serre la mâchoire laconiquement.

"Pas de caméras, pas d'enregistreurs", dit-elle.

"Courtney ira très bien, Carla", dit l'écrivain et vétéran de l'industrie musicale. "Kathleen Hanna n'est pas là."

Carla rit et se met en place pour organiser la sécurité de l'entrée latérale de Love dans l'hôtel et la salle de bal. Déjà plus de 300 spectateurs du RMC ont aligné la salle jusqu'à la salle de bal. Alors que la capacité est atteinte et que les portes sont fermées, un cri s'élève des dizaines de femmes restées à l'extérieur : "Nous exigeons ! Debout ! Laissez entrer les Rocker Girls !" Le chant continue quelques instants avant que Louis Meyers ne se précipite pour laisser entrer les grrrls.

Une bouffée d'air froid nocturne souffle alors que Courtney passe par une entrée latérale et pénètre dans la salle de bal SRO. L'air décidément peu glamour mais agissant de la manière la plus pragmatique, elle ignore les questions sollicitées et entame des conversations en tête-à-tête avec divers membres du public.

"Nous devons nous soutenir mutuellement. Je sais que c'est difficile. Je sais qu'il y a des œstrogènes. Je sais que nous nous détestons : 'Elle est vendue'. « Elle est ennuyeuse. 'Elle est jazz'", dit Love.

Jamais du genre à pratiquer ce qu'elle prêche, Love appelle Britney Spears "une poupée Barbie" et qualifie Jimmy Iovine d'Interscope de "petit troll" avant d'avouer avec humour être un héroïnomane.

"Je ne sais pas combien d'entre vous le savaient", déclare-t-elle d'un ton neutre, "mais c'est vrai."

Love se fait huer quand elle parle de Fred Durst de Limp Bizkit.

"Il m'a appelé et m'a demandé comment respecter les femmes", raconte-t-elle. "J'ai dit : 'Fred, pour commencer, organiser une fête au Playboy Mansion ? Ce n'est pas une bonne idée.'"

Ne vous y trompez pas, l'apparence de Love était importante. Le savoir-faire collectif de Ronnie Spector, Amy Ray, le batteur de Kid Rock Stefanie Eulinberg, Ann et Nancy Wilson, et tous les autres pâlit à côté de la puissance de star de Love. Chaque conférence a besoin d'un nom, d'une sonnerie, d'une seule voix qui capture le but spirituel du rassemblement et le personnifie. C'est ce que l'apparence de Courtney Love a fait. Elle était flip, drôle et parfois stupide. Elle était intelligente, sournoise et éloquente. Elle connaît la valeur de son nom et l'a utilisé pour une noble cause.

Les femmes aiment parler. Nous faisons. C'est probablement biologique, car une partie de l'acte physique de nourrir est le son ainsi que le toucher. Ce qui est plus important, cependant, c'est que les conversations sur les femmes dans la musique sont désormais abordées dans un forum approprié et ciblé. Et la prochaine fois que ces sujets seront abordés au SXSW, au CMJ ou ailleurs, RMC 2000 sera cité pour son travail de base en rassemblant ces questions. S'il y a une chose que les femmes musiciennes aiment faire plus que jouer de la musique, c'est parler de jouer de la musique.

Le dialogue doit se poursuivre.

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